Las dimensiones de la serie se aprecian cuando se visita su rodaje, en los alrededores de Sevilla. Fuera de Series tuvo la oportunidad de hacerlo a finales del año pasado, viendo de primera mano cómo se puede recrear el siglo XVI entre dos almacenes de un polígono industrial a las afueras de la capital sevillana y un monasterio en Utrera que, a principios del siglo XX, funcionó en parte como fábrica de jabones y aceitera de orujo (y que, por cierto, está a la venta por unos cinco millones de euros).

La labor de recreación es muy importante y muy extensa porque en la Sevilla actual apenas quedan restos de casas y calles del Siglo de Oro, y porque es un aspecto fundamental para lograr la inmersión en la época que pretenden sus creadores, Alberto Rodríguez y Rafael Cobos. El primero explica que “la idea de la primera era hagamos un viaje en el tiempo, y creo que lo fue desde el principio. Ésta tiene eso, pero creo que, además, pasan muchas cosas”.

De hecho, los responsables de vestuario afirman que la ambientación histórica es, quizás, hasta más importante en la segunda temporada que en la primera, sobre todo porque La peste ya no va a ser la serie oscura del principio, sino que se va a mostrar más luminosa y aventurera.

Fernando García López, figurinista, y Lourdes Fuentes, jefa de vestuario, ofrecen un tour por la nave en la que se almacenan más de 1.500 trajes. En ese departamento de la serie ha trabajado una treintena de personas que se encargan de ambientar las piezas, retocarlas si hace falta y, si las prendas forman parte del 80% que se ha alquilado a casas como Cornejo o Peris, se lavan y se dejan igual que cuando las recibieron para devolverlas. Ese equipo viste a 80 actores, de los que quince son protagonistas a los que el vestuario se les hace a medida.

La evolución en el tono de la temporada se aprecia más en los trajes de Teresa de Pinelo, la pintora, que pasa a vestir más color que el resto de mujeres nobles de La peste. En las fotos promocionales ya se ve un traje naranja y en la nave de vestuario había otro de un intenso verde.

En que todas las piezas, incluidos joyas y tocados, sean históricamente rigurosos se confía en el asesor histórico de la serie, Pedro Álvarez, pero a veces no es fácil encontrar documentos o imágenes que ayuden a los técnicos a, por ejemplo, construir una carroza noble. En las tres naves que ocupa el departamento de arte, supervisado por Pepe Domínguez, se pueden ver algunas de esas carrozas, barcas y hasta un caballo de mentira muerto. Hay pasillos enteros de muebles, lámparas y figuras de santos y vírgenes, y hasta un taller propio en el que fabrican de cero, por ejemplo, tejas de poliestileno y tienen una máquina que talla “madera” como si fuera el trabajo de un artesano real.

No es una errata que pongamos madera entre comillas, ya que se utilizan materiales más ligeros que facilitan el transporte de las piezas al set de rodaje. El hierro, por ejemplo, se simula con espuma flexible de poliuretano. El trayecto desde los almacenes hasta el monasterio de Nuestra Señora de la Encarnación, en Utrera, donde estaba ubicado el decorado principal no es largo, pero la logística de transporte es complicada porque las piezas suelen ser muy voluminosas.

La calle “multiusos”

En realidad, la parte del monasterio que La peste ha “tomado” es una calle entre la antigua fábrica de jabones y la de aceite de orujo. Dicha calle está totalmente ambientada; en una pared se ha construido un porche y la de enfrente está pintada de rojo. Además, el equipo de producción dispone de dos módulos móviles que les permiten cambiar la configuración de la calle de una noble a otra situada en un barrio pobre.

El departamento de arte tarda dos semanas y media en preparar la zona para el rodaje; el suelo está totalmente embarrado y en los arcos de los soportales hay puestos de libros y hasta un figurante que lleva en hombros una cabra muerta. Cuando la prensa visitó el set, se estaba rodando una escena bastante sencilla en la que Mateo (Pablo Molinero) y uno de los nuevos personajes, interpretado por Federico Aguado, paseaban por la calle hasta encontrarse con algo muy concreto. Esta vez, La peste recupera su historia cinco años después del final de la primera, con un Mateo que ha regresado cambiado de América y una mafia local, La Garduña, como nuevos antagonistas.

“Hay un poco más de presupuesto, pero no mucho. El presupuesto hacía falta para sacar adelante la serie como había que hacerla”, explica Alberto Rodríguez, que añade que “lo que yo creo que ha aumentado en esta segunda parte es la peripecia, la aventura. Es casi más una película de cine de aventuras, con una parte de cine negro de gangsters, de hampones, de policías, más que otra cosa. Tiene un poco de todo. Tiene un poco que ver con lo decíamos de la primera, que era un fresco del XVI. Ésta amplía el lienzo, o es un segundo cuadro de lo mismo”.

En los últimos meses de este año, probablemente, descubriremos si La peste se ha convertido más en Los intocables de Eliot Ness, como afirma Rafael Cobos.

Muchos dirán que, en un primer vistazo, ‘Las chicas del cable’ es una suerte de ‘Velvet’ en la que las galerías son sustituidas por el ya mítico edificio de Telefónica ubicado en plena Gran Vía madrileña. Pero Teresa Fdez-Valdés y Ramón Campos, en su larga trayectoria como germen de las ficciones más exitosas de nuestra televisión, han logrado hacerse con todos los trucos para vender sus productos como si se tratase del primero.

El hall de entrada, el plato fuerte de ‘Las chicas del cable’

Tras acceder por los pasillos propios de todo edifico de periferia, no es muy complicado entender el universo de la serie al empezar descubriendo el imponente hall de la compañía de telefonía. “Es nuestro plato fuerte”, confiesan, orgullosos por el resultado. A pesar de estar bajo la tutela de Netflix, ‘Las chicas del cable’ sigue siendo una producción española en lo que a presupuestos se refiere. Es por eso que, durante la concepción del set, el equipo de producción decidió hacer de la entrada del edificio un plató polivalente que también serviría para otros espacios de trabajo. Con unos cambios en el atrezzo y en la disposición de las estancias, todo es posible. Es cuestión de creatividad.

Hemos querido dotar a la serie de un toque más parisino

Los amplios ventanales de la estancia, sumados a una arquitectura muy acorde con la estética de “El Gran Gatsby“, se apoyan en la presencia de un croma que ayuda a que el edificio sea trabajado a distintas alturas. Los avances digitales permiten que, de las dos plantas con las que cuenta el plató, la impresión aumente hasta ocho. El diseño “responde a edificios que había en Madrid en el momento, pero no al edificio original de Telefónica que conocemos”, explica Ramón. Más similar al Banco de España por “sus luces cruzadas y los tonos cromáticos”, la compañía de telefonía cuenta con “más elementos modernistas” de los que debiera. ”Aunque estemos en una transición, Madrid nunca ha sido muy modernista, siempre lo ha sido más Barcelona, por lo que tenemos que tener cuidado para que en exteriores todo nos coincida”.

“En el look, a Tere y a mí nos apetecía movernos un poco de ‘Velvet‘ o de ‘Gran Hotel‘, que por época se podían parecer un poco más, y nos parecía que en nuestra trayectoria teníamos que hacer algo distinto para que la serie cogiese una identidad propia”, continúa. “Con el objetivo de embellecerla, este no es un retrato exacto visualmente de esa España. Incluso en el vestuario nos hemos atrevido a ir por encima de la rodilla cuando correspondería ir por encima de la pantorrilla para no irnos tanto al estilo ‘Downton Abbey‘. Lo hemos hecho más europeo, como ‘Midnight in Paris‘ o las últimas películas de Woody Allen. Con menos dinero, pero con mucha voluntad”, apunta con una sonrisa. El objetivo de dotar a la serie de un toque más parisino está más que logrado. “Como nos desituamos, queríamos contar unos años 20 que todavía no se habían visto, dar un paso a un lado”, argumenta Campos.

El despacho de dirección, un terreno acotado para Yon y Martiño

Comunicado por unas escaleras, el siguiente paso es el despacho de dirección. Con secretaria incluida, el lugar de trabajo de los personajes de Yon González y Martín Rivas facilita con creces el hecho de meterse en el papel. “Francisco y Carlos son muy amigos. Son personajes distintos con roles distintos. Yon viene del pueblo, es un hombre hecho a sí mismo, que luchando ha conseguido ascender. A Martiño le viene de cuna”. Este “aprecio mutuo” da forma a un buen tándem que, en lo profesional, sería muy complicado ver en la actualidad. “Tenemos que ser conscientes de que en los años 20, los hombres eran hombres mucho antes”, apunta Teresa para justificar la elección de dos actores tan jóvenes en papeles de tanto poder. ”No estamos contando una historia de niños, son adultos. Hoy retrasamos mucho esa situación. En esa época, con veintitantos se esperaba de ti una estabilidad”.

Pasando por una balconada que permite visualizar desde las alturas el hall principal, dejamos la zona de despachos atrás para conocer el área de trabajo. Al alejarse de la zona noble, la rutina laboral que aporta el día a día entre cables se nota en todos los espacios. Primero, un pequeño almacén, el lugar perfecto para encuentros especiales o conversaciones que no deberían ser escuchadas. Segundo, las taquillas, donde Blanca Suárez, Maggie Civantos y compañía cuentan con sus propios armarios para guardar sus pertenencias durante sus horas de descanso o sus cambios de uniforme.

Yon González y Martín Rivas en el balcón que conecta con el hall de ‘Las chicas del cable’

La sala de máquinas y sus complicaciones técnicas

Como principal premisa, la idea era “dejar abiertos todos los espacios para no dar una sensación de colegio mayor”. Y dicho y hecho. Sin puertas que valgan, llega el momento de conocer la joya de la corona: la sala de máquinas de las chicas del cable. Allí es donde las protagonistas de la serie conectan las llamadas con los abonados en un momento en el que los teléfonos todavía no gozan del automatismo necesario. ”Tienen que llamarte, conectas un cable, contestas por un auricular, te dicen a quién quieren llamar, conectas al otro lado, transmites y pasas la llamada con las clavijas”, relata Ramón, como si de un cursillo express se tratase.

El proceso de trabajo no es nada sencillo, y menos para un grupo de actrices que jamás se habían visto en una igual. Es por este motivo que Bambú se puso en contacto con un antiguo trabajador de Telefónica de unos 80 años que dedicó una jornada a ofrecer al equipo artístico y técnico una serie de clases prácticas para hacer la ejecución mucho más creíble a ojos del espectador. Fue con él cuando conocieron anécdotas como que se requería una longitud mínima en cuanto a los brazos de las empleadas o que, entre conexión y conexión, podían ser partícipes de las conversaciones entre abonados.

Pero no todo queda aquí. En una sala anexa se encuentra uno de los grandes enemigos de “las chicas” en cuanto a lo profesional. A finales de los años 20, el famoso rotary comenzaba a dar sus primeros coletazos, una buena premisa para hacer de ella una de las principales tramas de la ficción: ”Cómo la modernidad del automatismo acaba con el trabajo de las chicas del cable pero mejora la vida de la gente”. Esto no significa que perdieran a todo el personal. Como más adelante demostró la propia historia, se mantuvo un mixto entre la modernidad y lo tradicional porque, “si algo falla, no se podía caer todo el soporte, tenía que haber alguien que lo pudiese resolver”.

Maggie Civantos y Nadia de Santiago en uno de los pasillos de la zona de trabajo de ‘Las chicas del cable’

Dolores y su pensión, un segundo hogar para “las chicas”

El siguiente peldaño en la visita guiada es la Pensión Dolores, un lugar en el que empiezan a vivir dos de los personajes y al que poco a poco se acabarán sumando el resto según vayan transcurriendo las tramas. Separado físicamente del resto de escenarios, este decorado de apariencia humilde estará regentado por una señora mayor encarnada por Tina Sainz que, más pronto que tarde, se irá convirtiendo en “una especie de madre” que buscará encontrar la rectitud de sus huéspedes.

La estancia, repartida en salón, comedor y dormitorios, luce una estética que ha sido cuidada hasta el máximo detalle. “El papel es de la época. La madera, aunque parezca que esté mal pintada, está tal y como se hacía porque la gente, cuando quería simular que tenía dinero, pintaba la madera así para que pareciese madera noble”, comenta Ramón. Los espacios, con posibilidad de ser intercambiables y redecorados para emular cuartos diferentes, también cuentan con un baño ambientado para la época que, como la pareja de creadores comenta con ironía, ahora “está muy de moda” por la tendencia vintage.

“El café de en frente”, otro de los escenarios clave para las protagonistas

Otro de los lugares fuera de la compañía telefónica es el bar. Siguiendo con la estela modernista que empapa el resto de escenarios, en esta ocasión han querido emular locales míticos como el de “El espejo”, situado en el centro de la capital. ”Queríamos jugar con las formas, hay mucha curva. En nuestras series no somos muy de bar. Pusimos el ‘Pausa’ en ‘Velvet’, y este es el segundo. Nos gusta mucho cómo está funcionando. Se llama ‘El café de en frente’ y es a donde van las chicas a desayunar, a tomar algo a media tarde o por la noche. Es el lugar de encuentro antes de marcharse a casa o de fiesta”, comenta un Ramón Campos visiblemente ilusionado por los resultados.

Por ser una producción con ambiciones internacionales, el rodaje en exteriores era de obligado cumplimiento. Y aunque son conscientes de que grabar “en Gran Vía es morir”, existen opciones complementarias que no han querido perder la oportunidad de explotar. ”Estamos grabando bastantes fiestas por Madrid. Hemos rodado en salas de fiestas de la época para rodar en zonas que nos permitan utilizar la música del momento. Estamos haciendo un mix de música moderna y de la época”, cuentan. ¿El requisito imprescindible? Que todas ellas sean adoquinadas, como sucede en zonas históricas como la Calle Lope de Vega, la Plaza de Huertas o la Plaza del Alamillo.

Grabar en Gran Vía es morir

Teniendo un espacio exterior en los propios estudios de grabación, Bambú decidió seguir la misma estrategia que pusieron en marcha con ‘Velvet’ al realizar una reconstrucción de lo que sería el edificio donde trabajan las telefonistas para la entrada y salida de personajes y así evitar desplazamientos. Otro croma sirve de apoyo para crear parte de esa Gran Vía en la que encontraríamos una puerta principal a la que no le falta detalle, como la presencia de una boca de león, muy socorrida por entonces. Además, como es más que evidente, Netflix y Telefónica son competencia directa, por lo que era impensable poner el logotipo de la grande de las telecomunicaciones en las instalaciones que enmarcan la historia de ‘Las chicas del cable’.

Carlos Dorromochea y Raquel Benavides son los nombres que encabezan el equipo de arte de una serie en la que la estética ha sido crucial para la historia. Tras dos meses y medio de construcción de escenarios, la compañía de telefonía ya está lista para que, a partir del próximo 28 de abril, los usuarios de Netflix disfruten de la primera producción de la plataforma en nuestro país.

la intención de Netflix desde el principio fue buscar el público más familiar con una serie que reuniera los mismos ingredientes que Gran Hotel y Velvet, de ahí la alianza con Bambú. Los primeros guiones que recibió la plataforma internacional generaron alguna controversia por no ajustarse del todo a su objetivo pero finalmente se dio luz verde al proyecto. Teresa Fernández Valdés, co-directora de Bambú, nos confirmó que la primera temporada tendrá 8 capítulos –en principio se había hablado del doble, 16, cada uno de ellos de 50 minutos de duración– y ya se está grabando la segunda, de esos 8 restantes. Es la misma estrategia que Netflix ha seguido con The Get Down.

La serie se inicia en el Madrid de 1928. La compañía nacional de teléfonos abre su sede en el centro de la ciudad y cientos de chicas se presentan para conseguir un trabajo como operadora, en el único lugar que representa progreso y modernidad para las mujeres de entonces. Desde ese día, los celos, envidias y traiciones se mezclan con la ambición, la amistad y el amor de los personajes de Las chicas del cable.

El grupo de las cuatro protagonistas está formado por:

Lidia es Blanca Suárez (El barco y El internado, están entre sus trabajos); Marga es Nadia de Santiago (que destacó en Musarañas y Amar es para siempre); Carlota es Ana Fernández (Los protegidos, entre sus series) y Ángeles es Maggie Civantos (reconocida en Vis a vis).

Creada por Ramón Campos y Gema R. Neira, escrita por Ramón Campos, Gema R. Neira y María José Rustarazo y dirigida por Carlos Sedes y David Pinillos.

Entre los personajes de la serie veremos también a Sara (Ana Polvorosa, Aída, Amar en tiempos revueltos), Francisco (Yon González, Gran Hotel, Perdiendo el norte), Carlos (Martiño Rivas, El internado, Tres bodas de más), Pablo (Nico Romero, Cita a ciegas), Miguel (Borja Luna, Isabel), Mario (Sergio Mur, Gran Reserva) y Doña Carmen, interpretada por Concha Velasco (Bajo sospecha, Motivos personales, Teresa de Jesús).

Erik Barmack, Vicepresidente Internacional de Original Series en Netflix ha comentado: “Desde Netflix estamos tremendamente emocionados con el inicio del rodaje de nuestra primera serie española original con un equipo técnico y artístico tan formidable. Tenemos completa confianza en que Teresa y Ramón, creadores de series de éxito internacional como Gran Hotel y Velvet, van a producir una historia única y emocionante”.

Por qué el vestuario de la ‘Las chicas del cable’ no será un nuevo ‘Velvet’

Helena Sanchís, figurinista de la primera ficción nacional de Netflix, nos cuenta cómo una sastrería italiana salvó parte de los ‘looks’ de la serie y por qué sus protagonistas se olvidarán de llevar sujetador.

La ficción, ambientada en el Madrid de 1928, promete enganchar a los fanáticos de las historias de época: algunos ya la han bautizado como la sustituta de Velvet, no en vano los mismos creadores –Ramón Campos y Gema R. Neira– están detrás de la que promete convertirse en la producción nacional de la primavera. También la responsable del vestuario de Velvet, la figurinista Helena Sanchís, está a la cabeza del guardarropa de Las chicas del cable. Eso sí, no esperen cinturas marcadas, faldas con volumen ni siluetas enconsertadas. Estamos en los años 20 y la ropa es el gran arma para perfilar la libertad de la que fugazmente disfrutaron las mujeres.

“No nos hemos inspirado en ningún diseñador en concreto pero sí hemos indagado en archivos de la época para retratar la liberación que vivía la mujer a través de los vestidos sueltos y de los colores profundos, como de película, que se lucían en aquel momento”. Para conseguirlo, ella y su equipo han recuperado prendas originales de la década que encontraron en una pequeña sastrería italiana. “Sobre todo hemos conseguido vestidos de noche. Están bordados a mano pero son tan antiguos que prácticamente se deshacen. Eso sí, son ‘para llorar’ de los bonitos que son”, nos cuenta la directora de vestuario de la serie. Las protagonistas son las privilegiadas que lucirán las piezas originales. El resto del reparto, así como la figuración, llevarán réplicas. “Hemos vuelto a trabajar con la Sastrería Cornejo, la más importante de nuestro país. Con ellos hemos hecho todo el vestuario masculino y parte del femenino. El resto de looks los hemos confeccionado en nuestro taller utilizando tejidos actuales –porque es imposible conseguir originales– combinados con cuellos, bordados y encajes que sí pertenecen a la década”, añade.

Uno de los aspectos que más se han tenido en cuenta a la hora de vestir a las actrices es la personalidad de cada personaje. “Marga (Nadia de Santiago) es más pueblerina y eso se refleja en el uso de tejidos más bastos como algodones o linos. Sin embargo, Lidia (Blanca Súarez) es mucho más enigmática y sensual. Carlota (Ana Fernández) es una niña bien que se rebela precisamente contra eso y Ángeles (Maggie Civantos) es la perfecta ama de casa, característica que plasmamos a través de los estampados”. También la moda sirve para marcar una gran diferencia entre las jóvenes cuando trabajan y cuando disfrutan su tiempo libre. En la compañía telefónica, las actrices van de uniforme: un vestido azul con cinturón y lazo al cuello que la diseñadora ideó inspirándose en las telefonistas de la época y modeló en el cuerpo de cada actriz. “Parece una prenda sencilla pero a veces son esas las que más trabajo dan. Por suerte, los años 20 fueron una época muy fotografiada por lo que hemos tirado de archivo y de revistas para diseñar. En cuanto al color, es un azul muy especial. Queríamos reflejar lo colorista que fue la década en contraposición a la guerra que estaba por venir”, defiende Sanchís.

Cuando ‘las chicas del cable’ abandonan la oficina y salen a la calle –siempre se cambian de ropa en el edificio de Telefónica– se despliega un abanico de posibilidades estilísticas en el que los accesorios son fundamentales. “Los sombreros, sobre todo los casquetes ajustados, son muy importantes. Hemos conseguido algunos originales también en Italia. Además se utilizan guantes en los eventos de fiesta y los zapatos se han confeccionado a medida”, adelanta la diseñadora. A pesar de que Concha Velasco confesó que “el vestuario es muy el Gran Gatsby“, la ropa que lucen las protagonistas es la de cuatro jóvenes que acaban de empezar a trabajar. La comodidad prima por encima de todo. “Es cierto que el Gran Gatsby es un referente porque es un buen retrato de los años 20. Carmen Cifuentes, el personaje interpretado por Concha Velasco, encarna muy bien el glamour de ese momento porque es una mujer adinerada y poderosa. También el personaje de la madame da más juego para hacer cosas estrambóticas y arriesgadas. Por lo demás, hemos recreado el look urbanita de finales de los años 20. En esta serie la moda es importante porque forma parte de la vida pero no al nivel de Velvet“, aclara.

Eso no quita que se haya cuidado hasta el más mínimo detalle, incluida la ropa interior: “En estos años la mujer deja de estar oprimida, las más atrevidas ni siquiera llevaban sujetador. Hemos querido ser fieles a eso consiguiendo en anticuarios combinaciones y sujetadores originales que se verán en pantalla cuando las actrices se cambien de ropa a la llegada y salida del trabajo”, afirma la figurinista. En cuanto al maquillaje y la peluquería, parece que veremos mucho labio rojo y pelucas.

En una publicación de Instagram, la actriz Blanca Suárez dejó un críptico mensaje: “Hello. Cosas que pasan cuando interviene Netflix. Nada es lo que parece”. Justo detrás de ella se podían apreciar diferentes caras de maniquíes con distintas pelucas. Además, la actriz aparecía con el pelo recogido ya que, con total seguridad, tendría que grabar con una de las pelucas que quedaban a su espalda.

Sobre Netflix

Con más de 83 millones de suscriptores en más de 190 países, Netflix es la plataforma de televisión por Internet líder en el mundo, en la que se puede disfrutar de más de 125 millones de horas de series y películas al día, incluidos documentales, películas y series originales.

Los suscriptores de Netflix pueden ver las series y películas que quieran, cuando quieran, donde quieran, y en casi cualquier pantalla conectada a Internet. También pueden reproducir, pausar y reiniciar lo que estén viendo sin anuncios ni compromisos de permanencia.

Sobre Bambú Producciones

Bambú Producciones es una productora creada en 2007 por Ramón Campos y Teresa Fernández-Valdés para el desarrollo y producción de proyectos de ficción para televisión. Bambú se ha posicionado en mercados internacionales como una productora europea de referencia gracias a títulos como Gran Hotel, Velvet y Refugiados.

Sería imposible entender el cine sin un estudio previo del vestuario. A través de Esperanza García Claver, responsable del Área de Cultura de Moda del IED Madrid y comisaria de la exposición Isabel. Vestuario de la serie de televisión en el Museo del Traje, ahondamos en los secretos de una de las series televisivas de mayor éxito en la actualidad.

Sería imposible entender la ficción en televisión sin un estudio previo del vestuario. A través de Esperanza García Claver, responsable del Área de Cultura de Moda del IED Madrid y comisaria de la exposición Isabel. Vestuario de la serie de televisión en el Museo del Traje, ahondamos en los secretos de una de las series de TVE de mayor éxito en la actualidad y de su vestuario diseñado por Pepe Reyes, Premio Iris 2013 de la Academia de las Artes y la Televisión (ATV).

¿Cómo surge la iniciativa de hacer la exposición?
Conozco a Pepe Reyes desde hace varios años y a su empresa de vestuario Look Art, profesionales en el diseño para series de televisión, y sus últimos trabajos se han venido especializando en vestuario histórico o de época. Finalizada la primera temporada de la serie, Pepe y yo comenzamos a darle vueltas a la posibilidad de hacer algo con el maravilloso proyecto que realiza junto a su equipo. No he tenido nunca la menor duda del cuidado y minucioso trabajo que diseña para la serie. Pero fue mi primera visita a El Álamo (plató donde se rueda la serie), cuando pude ver y tocar de cerca el vestuario, las capas, los mantos bordados a mano, túnicas, sayos…  su diseño, tejido, peso, calidad…

Soy Historiadora del Arte, de la Moda y Museógrafa, y sabía que lo que tenía allí eran piezas de un enorme valor para ser expuestas. El Museo del Traje apoyó desde el principio la propuesta. Sin duda, el mejor sitio para sensibilizar sobre diseño de vestuario y el primer museo de ámbito nacional que dedica una exposición a una serie de televisión.

Con una exposición tan amplia, ¿cómo ha sido el trabajo previo de selección de piezas? ¿Qué destacas del vestuario de la serie Isabel?
En primer lugar, hice una selección de los protagonistas de las dos temporadas de la serie que quería que aparecieran en la exposición y después una selección de piezas de vestuario de valor estético y simbólico de los mismos. Tenía claro que en Castilla, además de Isabel, Juana de Avis tendría un gran protagonismo por la riqueza de su vestuario y joyería. Y en Granada la riqueza de vestuario de Zoraida y Aixa tenía que mostrarse al público, más allá de la pantalla. Los personajes masculinos que marcaron las intrigas palaciegas históricas y que están alrededor de Isabel, también los trasladamos a la exposición: Pacheco, Chacón, Carrillo, Gonzalo de Córdoba… Todos con un vestuario fácilmente identificable para el público y que ha hecho las delicias de los fans de la serie y amantes del figurinismo histórico.

Fue muy interesante ver la diferencia de diseños, tejidos, color… entre Castilla y Granada, y los tres grandes ejes de la exposición, el vestido de la Coronación de Isabel, el de Boda y el de Rendición, todos ellos interesantísimos y muy exclusivos por sus tejidos y bordados. Otro de los preferidos por el público fue el majestuoso vestuario que llevó el personaje de Boabdil en el momento de la Rendición, cuya inspiración la sacó Pepe del cuadro de Francisco Pradilla Rendición de Granada (1.882) del Palacio del Senado, y para la marlota se inspiró en la original que se encuentra en el Museo del Ejército, modificando el color de la misma,de un rojo a un tono granate, considerado por el diseñador más cercano al luto.

En una serie histórica como Isabel, hay un estudio e investigación de una fiel documentación medieval, principalmente pictórica, puesto que son mínimas las piezas textiles que se conservan del S. XV. Se respetan los diseños de la época pero, por supuesto, existe una interpretación estética del figurinista, coherente a la identidad del personaje que vaya a llevar esa indumentaria. Otro de los elementos que más destaco de la serie es el estilismo del vestuario, las superposiciones de las prendas, la variedad y riqueza de texturas que supone, sin falsear ninguna. De ahí que un “look” total de cualquiera de los personajes protagonistas puede llegar a pesar 30 kilos, como ocurre con el vestuario de Rendición de Isabel: vestido, loba, capa, manto y armiño.

¿Cuál es el aspecto que más te atrae del diseño de vestuario en televisión?
Principalmente, como el vestuario apoya a la creación y caracterización de los personajes, logrando en el caso del televisivo traspasar la ficción y llegar a la pasarela o las revistas de moda para marcar tendencia. No tengo la menor duda de que el vestuario que aparece en las series de televisión más mediáticas impulsa la industria de la moda. En la historia del cine, y más recientemente de la ficción televisiva, uno de los grandes atractivos para el público es el vestuario.

¿Hay algún diseñador que admires especialmente en este ámbito?
Por supuesto a Pepe Reyes y Natacha Fernández Gallardo, fundadores de Look Art, por su trayectoria en series de época (La República, La Señora, Tierra de Lobos…), así como el trabajo de otros figurinistas españoles históricos, como el gran Javier de Artiñano o el cuidado vestuario que se viene realizando para otras series nacionales. También admiro el trabajo de responsables de vestuario internacionales como Gabriella Pescucci (Los Borgia), Janie Bryant (Mad Men), Susannah Buxton (Downton Abbey) o el trabajo de estilismo de Patricia Field (Sex at the city).

En IED Moda Lab se enseña, a través de la asignatura de Figurinismo, un trabajo creativo en el ámbito de la moda?
La materia de Figurinismo impartida por dos grandes docentes de IED Moda Lab, Pepe Reyes y Julio César Muñoz, estudia la construcción de personajes e identidades a partir del vestuario y en sus diferentes contextos (cine, televisión, artes escénicas…), su diseño y cómo se materializa.

Isabel sigue haciendo historia. TVE presentó este jueves en el Museo del Traje de Madrid la exposición Isabel. Vestuario de la serie de televisión, una muestra que recoge una selección de la indumentaria más representativa creada por Pepe Reyes para cada uno de los personajes de la exitosa serie histórica de TVE. La muestra estará abierta al público del 15 de noviembre al 8 de diciembre.

Es la primera vez que se dedica una exposición a una serie en un museo de ámbito nacional, según ha afirmado la directora del Museo del Traje, Helena López del Hierro. Un hecho que ha agradecido Alejandro Flórez, director adjunto de TVE: “Es un placer que se hayan fijado en esta serie porque cuidan los detalles al máximo y hacen un trabajo maravilloso”.

Para el creador del vestuario, Pepe Reyes, “exponer en un museo como éste es un premio y también una manera de darle importancia al trabajo de los artesanos y al equipo que nos rodea”, mientras el director de la serie Jordi Frades ha afirmado que el trabajo de vestuario ha sido imprescindible para otorgar credibilidad a los personajes: “Encontrar el término medio entre el rigor y la belleza estética y crear cierta tendencia era difícil. Y han hecho un trabajo extraordinario que ha ayudado mucho a la creación de los personajes”.

En esta afirmación coincidieron los dos actores protagonistas de Isabel. ParaRodolfo Sancho “componer un personaje es más fácil cuando el vestuario te acompaña”, mientras que para Michelle Jenner “los trajes de esta serie son verdaderas obras de arte. El vestuario es una parte fundamental para los actores, nos ayuda a crear los personajes y muestran su evolución. Si tuviera que quedarme con alguno, elegiría el traje de mi coronación”.

Más de 30 piezas seleccionadas

En la muestra, organizada por el Museo del Traje, el Centro de  Investigación del Patrimonio Etnológico (CIPE) y Look Art, podrá verse una selección de más de 30 piezas representativas de la indumentaria de las dos primeras temporadas de Isabel, producida por TVE y Movistar Televisión, en colaboración con Diagonal TV.

El vestuario ha sido diseñado por Pepe Reyes y Natacha Gallardo, directores de la empresa Look Art, especializada en diseño de vestuario para series (La señora, Tierra de Lobos, 14 de abril. La República o Vive Cantando, entre otras).

Para la exposición se han seleccionado conjuntos pertenecientes a los personajes más destacados (Isabel Castilla, Fernando de Aragón, Enrique IV, Alfonso Carrillo, Diego Pacheco, Gonzalo Chacón, Gonzalo Fernández de Córdoba, Muley Hacén, Boabdil…) junto a complementos, entre los que destacan reproducciones realizadas por artesanos españoles.

Cuidada documentación

La exposición, un conjunto de piezas que reflejan de manera cuidadosa la indumentaria del momento gracias a un profundo estudio de la documentación histórica, está organizada en seis áreas.

La primera, ‘Castilla’, se caracteriza por el uso de colores oscuros y terrosos y recrea el entorno de la reina Isabel, desde su infancia a su coronación. También destaca el vestuario del personaje de Juana de Avis, uno de los más ricos y variados realizados para la serie junto al de la protagonista. ‘Boda y coronación’ expone dos de los vestidos más emblemáticos de la serie: los que lleva Isabel en su boda con Fernando y durante su coronación como Reina de Castilla.

La tercera parte de la muestra, llamada ‘La lucha por el poder en Castilla’, está representada a través de los trajes de cuatro personajes clave en la lucha por el poder en el reino de Castilla: el jubón de Diego Pacheco, la sotana de Alfonso Carrillo; y los conjuntos de Gonzalo Fernández de Córdoba y Gonzalo Chacón. En la cuarta, ‘Reino de Granada’, los visitantes se adentrarán en la segunda temporada de la serie y en la conquista de Granada, a través de prendas de personajes como Muley Hacén, Aixa, Zoraida, el Zagal o Boabdil. El color vivo y brillante, y  el rico trabajo de bordados y tejidos, caracterizan la indumentaria.

El recorrido de la exposición continúa con los ‘Talleres artesanales’, un homenaje a los artesanos españoles con una muestra del trabajo que han realizado para la serie a través de complementos y atrezzo. El viaje por la indumentaria de ‘Isabel’ finaliza con una explicación del proceso creativo de todo el vestuario.

El diseño y el patronaje juegan un doble papel en la serie que se ha convertido en todo un éxito de masas esta temporada. Es la causa y la consecuencia , el motivo último de la historia y el imán para los espectadores. Tras diez intensos capítulos, la ficción echa el cierre con los niveles de expectación en su máximo nivel.

El tiempo entre costuras termina con unos datos de escándalo: 4.827.000 espectadores de media y un 25,3% de share. Atresmedia y todos los canales que acoge el gigante mediático organizan un evento por todo lo alto para decir adiós a Sira y a sus históricos acompañantes.

Previamente a la emisión del último capítulo, el despliegue está servido. Entre ciclos de “tras las cámaras”, entrevistas y reportajes inéditos, destacará la presencia de la actriz Adriana Ugarte, la protagonista, y la escritora María Dueñas, el cerebro fundacional del best seller.

Y uno de los grandes atractivos es el vestuario. Abuelas y madres de toda España se han reunido alrededor del televisor para sentirse identificadas y admirar los modelos al grito de “¡yo tenía esos zapatos!”. Un nexo generacional con aires nostálgicos que se han materializado en telas y pespuntes. Especialmente en la sombra se han mantenido los secretos de la artífice real de estos sofisticados diseños, más allá de las escenas entre máquinas de costura y alfileres.

Ella es Bina (Sabine) Daigeler, avezada figurinista y aclimatada a las alfombras rojas. En su currículum despuntan sus cuatro nominaciones a los premios Goya por  Volver, Todo sobre mi madre, Inconscientes y Princesas. Su teléfono lleva años sonando sin parar y no sólo para conceder entrevistas. Al otro lado de la línea se han situado personalidades como Antonio Banderas para su El camino de los ingleses, Emilio Aragón para Pájaros de papel o Alejandro González Iñarritu paraBiutiful.

Con las maletas siempre preparadas y una residencia nómada, no es de extrañar que Daigeler nos atienda desde Nueva York. En pleno rodaje de la nueva película de Robert de Niro y John Turturro,  Hands of Stone, Daigeler contesta a nuestras preguntas y elige sus tres vestidos favoritos.

Diseñadora de una época “aburrida”

“Aburrida” es la palabra con la que define esta modista al periodo de los años 40 en la moda española. “Es una etapa que se ha reflejado en las pantallas en innumerables ocasiones, una época muy corriente para un figurinista actual”, admite Daigeler. Los diseños inspirados en la primera etapa en Madrid invitan menos al alarde y la utilización de telas refinadas: “España era pobre y muy austera, casi todos los vestidos están hechos de algodón y lana”.

Aunque a motivos prácticos, la vorágine del rodaje no permitía licencias de tiempo para la confección de los vestidos de fiesta: “Te pedían el lunes el diseño y el viernes, como tarde, tenías que tenerlo creado, muchas veces por partida doble”. Para la parte ostentosa de la novela, Daigeler encontró su inspiración en grandes firmas de la época como Chanel, Paul Poiret y Elsa Schiaparelli.

De entre los más de 200 figurines que dibujó la delineante, 40 eran únicamente cambios de vestuario para el personaje de Sira. Adriana Ugarte ha tenido el honor de vestir unos escotes imposibles, estampados cuidados al milímetro, turbantes, bañadores de época y sedas naturales. Y aunque reticente, cual madre obligada a elegir entre sus retoños, Sabine Daigeler ha admitido sus tres trajes preferidos.

Adriana Ugarte, Sira (‘El tiempo entre costuras’).

El primero que ha señalado la modista es este traje blanco con chaqueta fruncida y turbante que Sira luce en el Hotel Ritz en el capítulo 6. La diseñadora ha destacado también las maletas vintage de Louis Vuitton.

Adriana Ugarte, Sira (‘El tiempo entre costuras’).

El vestido de fiesta negro con grandes flores blancas estampadas es uno de los que Sabine recuerda con más cariño. Este diseño lo pudimos disfrutar en el capítulo 8, cuando Sira celebra el fin de año con su padre.

Adriana Ugarte, Sira (‘El tiempo entre costuras’).

El abrigo azul que lleva la protagonista durante su encuentro con el periodista Marcus Logan en el Retiro, también en el capítulo 8, es una de las piezas predilectas de Daigeler.

El vestuario es uno de los pilares centrales de la novela, y así lo han respetado en la serie. Los estilismos están cuidados hasta el más mínimo detalle, algo que requirió del 7% del total del presupuesto de la serie, una cifra considerable. La gran mayoría de las prendas están hechas a medida y confeccionadas con telas traídas desde todas partes de Europa. Teniendo en cuenta que Adriana Ugarte llega a lucir hasta 34 looks en un solo episodio, se puede imaginar el trabajo que ha supuesto elaborar el guardarropa de la serie. En uno de los próximos episodios se podrá ver hasta una recreación del mítico Delphos de Fortuny que aparece en el libro. Se crearon cerca de 400 trajes a medida y se alquilaron otros 1.500, principalmente de la sastrería madrileña Cornejo y de otros proveedores en Londres.

(SPOILERS) Sira, la protagonista de la novela, evoluciona personalmente a lo largo de la historia, algo que afecta de lleno a su forma de vestir. Pasa de ser una humilde modista de familia a fundar su propio taller de Alta Costura y relacionarse con la alta sociedad. Todo esto añadido a los distintos viajes que realiza (Madrid, Tetuán, Tánger, Lisboa) y el avance del tiempo, pues empieza a mediados de los años 30 y llega hasta los 40. Estos factores hacen que el vestuario se vuelva más interesante, pues irá introduciendo nuevas telas, nuevas prendas (turbantes, pañuelos), nuevos estampados, y nuevos cortes según madura y avanza socialmente.

El punto fuerte del vestuario son los maravillosos estampados que lucen los personajes femeninos. En particular Sira, a la que vemos con lunares, microflores al estilo Liberty’s, flores de todos los tamaños y colores… Los detalles están cuidadísimos, desde los tocados a juego con los vestidos, hasta los guantes, pendientes y collares de perlas. Cada estilismo es único, y está elaborado exactamente para cada escena. Conjuntos humildes de sus tiempos como modista de familia, unas faldas lápiz combinadas con blusas floreadas, vestidos con cuello babero, conjuntos de lencería y combinaciones de seda… En el primer episodio hay un vestido blanco precioso que muestra a Sira como una mujer inocente, pero pronto cambia a un conjunto granate mucho más sofisticado haciéndola más fuerte. En cuanto al vestuario masculino, el contraste entre Ignacio y Ramiro es evidente. Ignacio lleva trajes más campesinos, de alpaca (pero muy bien elaborados), mientras que Ramiro es más exquisito, cosa que queda patente con su look sport: polo azul con cuello resaltado, pantalones blancos, y unos oxford brogue bicolor en blanco y negro.

El diseño de vestuario estuvo a cargo de Sabine Daigeler, figurinista de origen alemán afincada en Madrid. Tiene cuatro nominaciones a los Goya, y en su currículo encontramos títulos como Volver, Todo sobre mi madre, Biutiful, Princesas, Only lovers left alive (con Tilda Swinton)… La fidelidad del vestuario a la novela está asegurada, pues Sabine y María Dueñas son amigas incluso desde antes de que escribiera la novela, y fue la propia Sabina la que asesoró a Dueñas sobre los detalles de un atelier de costura para el libro. ¡Y casualmente, la eligieron para diseñar el vestuario de la serie! He tenido la oportunidad de entrevistar a Sabine Daigeler sobre su trabajo en el vestuario de El tiempo entre costuras, y esto es lo que me ha contado sobre los retos del proyecto, los detalles de algunos conjuntos, y las claves de cada personaje:

MP: ¿Podrías contarnos cuáles son los pilares del estilo de Sira?
SD: Sensualidad usando telas naturales, vitalidad usando determinados colores, y moderna.

¿Cómo evoluciona el vestuario de Sira según avanza la historia?
Sira joven tiene un estilo algo naïv, inocente, pero con gusto para la moda, ya que trabaja en un taller de Alta Costura. Luego se convierte en una mujer glamourosa, moderna, atrevida, un poco masculina, ya que usa pantalones

En concreto, ¿cuál es el cambio principal entre que es abandonada por Ramiro y sufre penurias, hasta que comienza a prosperar con su taller y se vuelve más sofisticada?
Cuando esta abandonada por Ramiro, casi no se cambia de ropa, sólo tiene un falda marrón de lana, y en cuanto vuelve a la vida, a coser, vuelve a los colores, telas más vaporosas, prendas más sensuales.

¿Qué elementos marroquíes introduce Sira en su vestuario al comenzar su vida allí?
Incorpora alguna joya, telas de algodón y a la vuelta de Marruecos a Madrid se va a ver claramente una influencia marroquí, pero eso es sorpresa…

¿Dónde obtuviste la mantilla del vestido de novia? ¿Cómo se desarrolló el diseño del vestido?
La mantilla es de alquiler de Sastreria Cornejo en Madrid, y el vestido un diseño mío con un encaje que compré en Inglaterra. Me inspiré en fotografías antiguas.

¿Podrías hablarnos del vestuario de Ramiro? ¿Cuáles son sus prendas clave?
Las prendas claves del vestuario son sus trajes hechas a medida con patrón de la época, él los luce muy bien…

María Dueñas ha alabado la fiel representación de su novela, ¿hablaste con ella a la hora de abordar el vestuario? ¿Te dio alguna indicación?
Por casualidad soy amiga de María Dueñas de antes de la novela, y me consultó durante su desarrollo sobre Alta Costura y el mundo de los talleres de moda de época y las telas. Luego fue casualidad que me propusieran la serie. María y yo por supuesto encantadas.

¿Adónde acudiste para documentarte sobre la época?
Tengo una biblioteca grande en casa con libros de moda sobre todas las épocas, libros de fotografia, pintores… También por mi trayectoria justo esta época la controlo bastante.

¿Hiciste algún viaje para observar el estilo de las distintas ciudades en las que transcurre la serie?
He estado ya varias veces trabajando en Marruecos y en Portugal, así que sí, conocí el estilo y las influencias de las ciudades.

¿Cuáles fueron tus fuentes de inspiración? ¿Hubo alguna persona real de aquella época que te inspirara?
Me inspiraron en general las estrellas de Hollywood de esa época. Marlene Dietrich, Greta Garbo, Rita Hayworth…

¿Has cogido referencias de diseñadores de moda reales?
Por supuesto, siempre lo hacemos. Para esta época: Chanel y Elsa Schiaparelli.

¿Cuál fue el gran reto del vestuario de la serie?
Los diferentes modelos para el taller de costura, que se necesitaban siempre en diferentes estados de fabricación: para cortar el patrón, para una prueba, y ya hecho. Todo esto muchas veces en el mismo día de rodaje.

¿Con qué antelación comenzaste a preparar el vestuario de la serie antes de que se empezara a rodar?
Si me acuerdo bien, casi cuatro meses.

¿Cuántas personas formabais el equipo de vestuario?
Ocho personas fijas y luego refuerzos.

¿Cuánto tardabais en elaborar uno de los vestidos a medida?
Depende, pero más o menos una semana.

Destaca el uso de los estampados, ¿adónde acudías para encontrar esas maravillosas telas?
Uff, fue difícil, vienen de todas partes de Europa.

La mayoría de los conjuntos son hechos a medida. Aquellos que no, ¿dónde los obtuviste?
Alquilé un gran stock de ropa en Cornejo, Madrid, y tambien trabajé con algunos proveedores de Londres.

¿Alguna anécdota del rodaje?
Hace tanto tiempo, que ninguna en concreto, pero ha sido una experiencia muy bonita. Sobre todo Marruecos y Lisboa ha sido maravilloso. Y me alegro que la serie gusta al espectador. Ha sido un gran esfuerzo de mucha gente.

¿Hay algún vestido o conjunto que recuerdes con especial cariño?
Un vestido largo blanco y negro, con estampado de flores grandes.

Desde que empezó como costurera, con esos vestidos estilo antigua hasta que se convirtió en una diseñadora de aclamada fama con abrigos de piel, faldas lápiz y americanas que marcaban su figura a la perfección, el personaje de Sira ha sufrido un sorprendente cambio durante la emisión de la serie.

En estos diez capítulos y el que nos queda por descubrir, Sira Quiroga ha dado un revés a la moda, y es que si el estilo retro ya estaba de tendencia, con la protagonista de ‘El Tiempo Entre Costuras‘ el retro está más de moda que nunca.

Cuando era una simple costurera, Sira lucía unos vestidos estilo años 30 que denotaban su baja clase social, unos looks que hoy en día invaden las tiendas en verano estilo ‘look de la padrera’. Más tarde, cuando empezó hacerse un hueco dentro del mundo de la moda en Tánger, Sira empezó a embutirse en faldas lápiz que destacaban su estilizada figura con las camisas anudadas al cuello o con cuellos de picos infinitos.

Los turbantes han sido un complemento imprescindible para Sira y que han marcado tendencia esta temporada. Por no hablar de sus maravillosos tocados y sombreros, que la otorgaban un aire distintivo y muy elegante a nuestra protagonista combinándolos con unos espectaculares bolsos sobre.

Sira ha demostrado que es también una fanática de las perlas y los broches, además de los labios rojos que ha lucido en cada capítulo. Las flores han marcado un cambio en la vida de Sira, aportando alegría a su personaje y sacándole de esos momentos donde la tristeza la invadía por dentro.

Y cómo no recordar aquellos abrigos con pieles que hacían traspasar el glamour por la pantalla, y es que Sira ha marcado un antes y un después dentro de la pequeña pantalla. ¡Todo un derroche de estilimos en cada capítulo!

La serie ‘El tiempo entre costuras’ resucita la pasión por las máquinas de coser

Aparte del daño que haya podido causar la serie a la cadena pública en favor de Antena 3, El tiempo entre costuras ha colaborado a reflotar una indistria que andaba ya en vías de extinción: la costura. Si teclea usted “máquina de coser” en su buscador de Internet, con lo primero que se topará será con tres resultados (promocionados) de grandes almacenes y puntos de venta online que le intentarán encasquetar una máquina de coser. ¿Y quién compra una máquina de coser a puertas del año 2014? 

 

 

Contra todo pronóstico, mucha gente. El portal Amazon.es lanzaba un comunicado hace una semana en el que se anunciaba que las ventas de máquinas de coser han aumentado un 135% desde la emisión de la serie. Según explican desde esta web de ventas, “durante los cuatro primeros capítulos de esta serie, ambientado en el taller de alta costura que regenta una modista española refugiada en Tetuan, los pedidos de este artículo se han más que duplicado respeto a la media registrada antes de que empezaran las emisiones”.

¿Este aumento es debido realmente a la ficción? Los datos registrados por Amazon así lo confirman. El mayor pico de compras se registra los lunes por la noche durante la emisión del capítulo, y es justamente durante el horario de emisión de El tiempo entre costuras cuando los pedidos de máquinas de coses registran una mayor intensidad: entre las 22.00 y las 00.00 horas, las ventas de este artículo han aumentado un 124% de media respeto a los pedidos registrados durante esta misma franja antes de que se empezara a emitir el drama televisivo.

Todas quieren aprender a coser

Además de las ventas disparadas durante la emisión de la serie, han aparecido un buen número de escuelas, locales y talleres donde personas con este interés compartido se reúnen y comparten trucos y secretos de este arte. Black Oveja, Trapo y tela o El punto Madridson algunas de las más populares.

Internet también se suma a la moda de la costura y las webs donde abastecerse de lana, agujas y demás materiales, así como de prendas de punto ya terminadas, han proliferado en los últimos tiempos: la española Téjeme o la francesa Golden Hook han crecido en visitas considerablemente.

Leer capítulo a capítulo las aventuras de Sira Quiroga, una modista madrileña de los años 30 que acaba de espía, o verla capítulo a capítulo en televisión en la piel de Adriana Ugarte rescató de la memoria patrones, máquinas Singer, bobinas de hilo y maniquíes. La novela de María Dueñas y la serie de Antena 3 han reavivado un interés por la costura que viene ya de antes, al calor o frío de la crisis económica y la necesidad de ahorro, pero también por la filosofía del háztelo tú mismo (Do it yourself) importada de Estados Unidos y el gusto por lo vintage y lo artesanal.

Sira Quiroga y sus aventuras causaron furor. La historia de esta joven costurera, interpretada por Adriana Ugarte, tras la Guerra Civil, registró importantes audiencias. Pero, además, provocó un efecto secundario: según Amazon.es, la venta de máquinas de coser se ha incrementado un 135%.

Durante el horario de emisión de «El tiempo entre costuras»„ entre las diez y las doce de la noche, los pedidos de máquinas de coser por internet todavía eran mayores. En tan solo un mes, las máquinas de coser se han convertido en el producto más vendido en su categoría en Amazon.es, que actualmente cuenta con más de 80.000 productos disponibles. Las ventas del libro original de María Dueñas se multiplicaron por cuatro desde la emisión del primer capítulo. La actriz protagonista, por su parte, se ha lanzado a diseñar una colección de lencería femenina.

Centros como Tissora, en Abastos (Valencia), o el Tiempo de costura de Esperanza Peña van a cambiarse de local para poder responder a lademanda creciente. Según Pablo Barbero, administrador de Tissora, el aumento de demanda comenzó con la crisis pero «este año se lleva la palma». «Es difícil apunta cuantificar la repercusión de estas series en nuevas matrículas, pero sí es posible que haya despertado en muchas el 99% son mujeres la curiosidad por aprender a coser».

Patricia Rozalén, responsable de los talleres de costura de Parapente homemade, comenzó en 2010. En estos tres años, añade, la mayoría de la gente que se decidió a volver a coser lo hizo por la crisis, por ahorrarse los arreglos, porque sus madres y/o abuelas ya no pueden coger aguja e hilo o porque están en paro. Patricia apunta también motivos sentimentales la nostalgia del pasado, los recuerdos de la infancia. Para la responsable de los talleres de Parapenteestudio que sí ha detectado el aumento del mercado de máquinas de coser en internet o de segunda mano a raíz de “El tiempo entre costuras” este cambio es muy positivo para el sector textil en general, tan castigado por la fabricación china.

Esperanza Peña de Tiempo de costura asegura que «ya casi todo el mundo quiere hacer ropa». A las academias y talleres acuden personas que quieren coser en casa o como hobby pero también quien busca salidas profesionales. Es el caso de la escuela que tiene el Gremio de Sastres y Modistas de Valencia, uno de los más antiguos. Fran Tochena, maestro mayor del gremio, explica que allí la mayor afluencia es anterior al boom literario y televisivo y se explica por la calidad de la formación ofrecida. Además, en las clases de indumentaria valenciana muchos de los alumnos son falleros o miembros de algún grupo de folclore que quieren confeccionar su propio vestuario y en las de costura, Tochena ha detectado gente joven, poco acostumbrada a vestir este tipo de prendas, que «se está dando cuenta de que es un lujo poder hacer tu propio vestuario a medida y poder ir exclusiva en cada momento».

Aunque Adriana Ugarte aprendió a coser de niña (le enseñó su abuela), en algunos planos utilizó las manos de una doble para las labores de costura más complicadas. Finalizada la serie basada en la novela de Dueñas, toma el relevo Velvet, en la que Paula Echevarría encarna el papel de una costurera en unos grandes almacenes en los años 50.

 

La protagonista de ‘El tiempo entre costuras’ revitaliza esta prenda

Fue Paul Poiret quien la popularizó en el vestuario femenino en el siglo XX

Regresa periódicamente a las pasarelas y las más ‘fashionistas’ la usan

Adriana Ugarte, como Sira Quiroga, turbante de Mimoki y Gloria Swanson, retratada por Steichen.

Mundana y sofisticada. Así era la mujer que en los años 30 utilizaba turbante. Gloria Swanson (‘steichenizada’ con turbante y tras un exquisito encaje), Wallis Simpson, Peggy Guggenheim… No es de extrañar que los responsables del cuidadísimo vestuario de ‘El tiempo entre costuras’ -que hoy llega a su fin- hayan echado mano de estos tocados para convertir a la costurerita Sira Quiroga en la exótica espía Aris Agoriuq.

Las elegantes de verdad son aquellas que descubren la moda, que se atreven

Paul Poiret

En realidad, en su origen era una prenda masculina, vestida por musulmanes y sijs. De hecho, se cree que la palabra procede del persa ‘dolband’ o ‘dulband’, un derivado de ‘dulu band’, banda plegada.

Esta procedencia oriental (en occidente no comenzaron a utilizarse hasta finales del siglo XVII) casaba a la perfección con las fantasías exóticas de Paul Poiret.

A comienzos del siglo XX, empezó a combinar estos tocados con sus túnicas y pantalones turcos, todos hechos ricamente decorados y de ricos tejidos. El turbante se ponía de moda… entre las más osadas. No en vano, Poiret ‘Le Magnifique’ detestaba a las mujeres “cortadas por el mismo patrón”. “Las elegantes de verdad son aquellas que descubren la moda, que se atreven, que crean, no las que siguen”, dijo a la revista Vogue en 1909.

Diseño de Tsumori Chisato.

Entre 1910 y 1920, el turbante -con esa misma forma puntiaguda con el que lo conocemos- se convirtió en un tocado popular. En los 30, se vistió del glamour hollywoodiense: Marlene Dietrich, Joan Crawford, Greta Garbo, la Swanson, Carole Lombard… No hay estrella de la época que no posase para los estudios ataviada de esa maravillosa guisa.

Este tocado volvió con fuerza en los 60 (era una prenda fetiche de Nina Simone) y en los 80 y, desde que en 2006 Miuccia Prada los subió a las pasarelas, vuelven periódicamente a alguna colección. Este mismo invierno, las colecciones de Tsumori Chisato y María Barros tocaban a sus modelos con turbantes.

Con todo, el tocado sigue siendo reservado a las más osadas.Estrellas de cine, reinas, blogueras y demás ‘fashionistas’ suelen atreverse. No es una prenda fácil (y eso que han dejado de ser una larga pieza de tela enrollada a la cabeza, para convertirse en ‘casquetes’ ya construidos, drapeado incluido), pero otorga a quien lo lleva el barniz de glamour y exotismo que le dio Poiret.

El turbante era la mítica prenda de las divas de Hollywood de los años 50. Audrey Hepburn o Grace Kelly vestían sus cabezas con esta elegante prenda aportando ese toque de personalidad que hoy pasa el testigo a Adriana Ugarte. El uso del turbante es tan versátil que sirve a partes iguales para el día a día o para ir a la playa como para lucir de lo más glamourosa por la noche, en una boda o una recepción.

Las series inspiran colecciones de moda

http://filmaporter.com/2013/04/02/las-series-inspiran-colecciones-de-moda/

Seguramente si Carrie Bradshaw no hubiera llegado a su vida Manolo Blanhik no tendría hoy el reconocimiento mundial que tiene. El amor que la protagonista de ‘Sexo en Nueva York’ tenía por dichos zapatos (los “manolos”) provocó que muy pronto las mujeres de todo el mundo deseasen tenerlos.

La televisión y la moda se retroalimentan y se unen a veces para crear lucrativos negocios como es el caso de Banana Republic. La marca de Gap ha vuelto a usar a ‘Mad Men’ como inspiración para su próxima colección.

Gracias a la colaboración con la diseñadora de vestuario de la serie, Janie Bryant, podemos gozar de trajes tweed, estampados piscodélicos, pantalones capri de cuadros… prendas de corte vintage que nos permitirán sentirnos como si nos preparásemos para ir a trabajar a Sterling Cooper Draper Pryce.

 

Esta es la segunda colección que crean inspirándose en ‘Mad Men’ y el resultado, comparando los diseños creados hace dos años, es decepcionante. En la colección de 2013 falta ese aire de lujo decadente que tenían las prendas hace dos años, con vestidos de cóctel, grandes accesorios, joyas y pañuelos. Falta Betty Draper.

 

Las nuevas prendas inspiradas en la serie son más informales, siguen la nueva ola que trae Megan y es más probable que encontremos una ocasión para lucirlas en el día a día pero no parecen exclusivas sino más bien una colección retro más de otra firma de moda.

 

También los hombres salen perdiendo en elegancia con el cambio de colección de ‘Mad Men’, los impecables trajes con corbata a juego se convierten en 

conjuntos de jersey y camisa y desaparecen las gabardinas.

En el apartado masculino hay una serie cuyo vestuario destaca por encima de cualquier otra: ‘Ladrón de guante blanco’ (‘White Collar’). Su protagonista, Neal Caffrey, siempre luce impecables diseños hechos a medida, en parte gracias al interés del actor que lo interpreta, Matt Bomer por la moda. El actor lanzó a comienzos de este año su primera colección de ropa, inspirada en los trajes que luce en ‘Ladrón de Guante Blanco’.

En colaboración con Alton Lane, una prestigiosa firma de prendas a medida, ha creado la ‘Caffrey Collection’ (clara alusión a su personaje). Las 12 piezas diseñadas por el actor estuvieron a la venta por un tiempo limitado y con gran éxito por lo que no sería descabellado pensar en una segunda colección.

Aunque ya no esté en antena, si hablamos de moda y series de televisión no podemos negar el influjo de ‘Gossip Girl’. La serie adolescente sirvió de inspiración para la diseñadora Anna Suit. Diecinueve piezas que estuvieron a disposición del público durante cuatro días y que se centraban en las diferentes formas de vestir de Blair, Serena, Jenny y Vanessa.

El resultado de la colección se debate entre la copia barata y prendas que no reflejan en absoluto el espíritu de estas it-girls. Pero al menos sí deja una cosa clara y es que las series siguen creando tendencia.

Los estilistas de televisión son los responsables de la imagen de los presentadores, actores y colaboradores que salen en antena. Porque en la pequeña pantalla nada se deja al azar.

Thais Villas lleva vestido de Amaya Arzuaga y zapatos de Christian Louboutin. El Gran Wyoming, look total de Man 1924 y reloj de Tag Heuer.

Foto: Germán Saiz

Su trabajo no solo consiste en escoger y poner ropa. Los estilistas de televisión crean la imagen de profesionales que se enfrentan diariamente a millones de espectadores y, con sus elecciones, se encargan de dar credibilidad a la labor del periodista, del presentador o del actor. Su oficio, desconocido para el gran público, es igual de imprescindible que el de un cámara o el de un guionista: todos contribuyen a que el resultado del programa sea (o no) redondo. A la hora de determinar el look de los integrantes de un proyecto son muchos los factores que intervienen y muchas las voces a las que hay que escuchar. Generalmente, productor y director marcan y definen el lenguaje estético en función del contenido o la actualidad en cada espacio. Bajo estas premisas trabajan los estilistas que aparecen en este reportaje y que representan cuatro formatos muy diferentes (actualidad con humor, serie de ficción, deportivo y magacín matinal). Ellos nos explican cuáles son los entresijos de su actividad diaria.

El intermedio. Ángel Lora: «Al principio el equipo vestía de uniforme» 

Tras 10 años de profesión en el mundo de la moda (comenzó como diseñador en Zara Kids), Ángel Lora es actualmente el responsable de estilismo de El intermedio. El exitoso programa de La Sexta, que se emite de lunes a jueves en horario de máxima audiencia, tiene una competencia feroz y también unos presentadores con una estética muy definida. «A lo largo de los más de 1.000 programas que se han emitido, el look del equipo ha evolucionado mucho. Aunque la audiencia suele olvidarse de ello, al principio todos iban de uniforme y Wyoming ¡ni siquiera llevaba tirantes!».

Con el paso del tiempo, cada integrante ha ido adquiriendo una personalidad mucho más marcada. Es el caso de Thais Villas. «Representa a una curranta estilosa que sigue las tendencias de moda. Para ella elijo la ropa pensando en su fisonomía, me gusta que todo le quede como un guante. Thais confía plenamente en nosotros, pero, por supuesto, tenemos en cuenta su opinión», comenta Lora. Además, ante la cámara, no todo vale. «Mejor evitar el blanco nuclear y las rayas. Y también los estampados porque pueden provocar moaré».

El día a día del estilista y de sus ayudantes es un ir y venir: «Empezamos haciendoshopping por los diferentes showrooms con los que trabajamos. Elegimos las marcas pensando específicamente en cada miembro del equipo y en lo que representa. Luego, volvemos a la tele y preparamos la ropa que llevarán en el directo y también la del día siguiente. Tenemos en cuenta, además, si los reporteros van a hacer alguna salida a la calle o si hay un reportaje que va a exigir alguna indumentaria específica».

Lora es también responsable de la imagen de otros conductores de La Sexta. «Las diferencias entre el estilismo de un programa de entretenimiento y uno de noticias se han estrechado mucho en los últimos años. Ya no se distingue tanto. Aun así, siempre se intenta que los presentadores de informativos tengan un look más sobrio, que proyecte seriedad».

David Carnicero lleva camisa de Levi’s y pantalón de Energie. Álvaro, look total de COS.

Foto: Germán Saiz

Generación NBA.

Álvaro Ruiz: «Canal + es sinónimo de una imagen cuidada y cosmopolita»

Psicólogo de formación, aterrizó en el mundo del estilismo casi por casualidad. «Empecé a trabajar en tiendas como Antonio Miró o Ralph Lauren para sacarme un dinerito extra mientras estudiaba y de pronto descubrí que me encantaba la moda, sobre todo la de hombre». Ya ha pasado por los tres grandes pilares de la televisión: informativos, programas y ficción. «Cada producción es muy diferente y supone una aventura distinta. Aunque en las series hay más campo para la imaginación».

Ahora trabaja en Canal +, «una isla privilegiada en el mundo de la pequeña pantalla desde el punto de vista del contenido y con una imagen cuidada, vanguardista y cosmopolita». Para crear el estilo de un programa en este canal, Álvaro debe reunirse con varios departamentos. «Por un lado, con el de Comunicación e Imagen y, por otro, con el de Arte y Escenografía. Ellos nos transmiten qué quieren y a partir de ahí empezamos a elaborar la idea del vestuario y a trabajarla conjuntamente con el presentador. Canal + sabe muy bien qué imagen quiere proyectar: busca looks limpios y sobrios, en los que la paleta de color se limita casi exclusivamente a los grises, el blanco y el negro».

Pero Generación NBA es una pequeña excepción dentro de la filosofía de la cadena y eso ha supuesto todo un reto para el estilista. «La escenografía es más informal, el plató representa una cancha de baloncesto. Esto nos ha dado mayor libertad a la hora de vestir al presentador y tenemos menos restricciones en los colores y tonos que podemos utilizar. Usamos camisas de cuadros, sudaderas, vaqueros y zapatillas de deporte. Siempre buscando el equilibrio entre los códigos estéticos de Canal +, la propia personalidad del conductor y el contenido del programa».

Reconoce que las series estadounidenses como Mad Men o Boardwalk Empire han traído consigo una pequeña revolución en los estilismos masculinos. «Ahora son más interesantes. Con el vestuario de hombre puedes innovar más; es un campo que aún puede evolucionar y hay mucho por descubrir».

Luz y Fele llevan diseños de Helena Sanchís confeccionados por Sastrería Cornejo.

Foto: Germán Saiz

Gran Hotel.

Helena Sanchís. «Visto a los personajes ‘amables’ con tonos claros»

«Desde los 17 años he trabajado mucho en cine y teatro, pero últimamente hago más televisión. En este medio se aprende mucho, adquieres una gran agilidad porque se trabaja con muy poco tiempo, nunca sabes qué te pueden ofrecer ni cuándo», comenta Helena Sanchís, estilista de Gran Hotel.

En una serie de televisión es muy importante definir bien el producto desde el principio y el vestuario es un elemento fundamental para que el resultado final sea creíble. «Nuestro trabajo comienza reuniéndonos con el director de la producción, el director de arte y el de fotografía. Aquí se marca el lenguaje de todo el proyecto. Luego viene el casting de actores y, más tarde, las pruebas de vestuario», señala.

En el caso de Gran Hotel, una serie basada en la España de 1900, Helena ha tenido que realizar una compleja tarea de documentación y ha estado asesorada por un historiador. «La plástica se inspira en Sorolla. Era una época muy dura en nuestro país, pero la hemos suavizado con los colores y los tejidos de la ropa». Los tonos claros de unos personajes contrastan con los oscuros de otros, para identificar el buen o mal carácter de los protagonistas. «Amaia Salamanca, por ejemplo, siempre viste pasteles, pero Luz Valdenebro, la marquesa, esposa de Fele Martínez en la ficción, tiene atuendos mucho más sobrios». La personalidad también se refuerza mediante los complementos: «Cinturones, guantes o chaquetas nos ayudan a endurecer y encorsetar al personaje».

En cuanto a los tejidos, linos y batistas envuelven a los caracteres más amables, y algodones y sedas gruesas a los más conflictivos. «El objetivo, al final, es que sea creíble», apunta. Helena es la autora del diseño de los principales vestidos de la serie. De la confección se ha encargado Cornejo, una de las sastrerías míticas de cine y televisión, con sede en Madrid y clientes a nivel mundial. «Intentamos mezclar materiales antiguos con nuevos, buscamos encajes, adornos de la época, pasamanería… Me gusta encontrar tesoros en rastros, desde botones hasta un trozo de tela para un puño».

Susana Griso con chaqueta de Cortana, camiseta de Enza Costa para EKS, leggings de Mango y botines vintage de Gucci.

Foto: Germán Saiz

Espejo Público.

Cristina López-Sors: «Los lunes siempre elijo ropa de colores»

«Espejo Público es un programa diario de actualidad en directo. Yo empiezo a trabajar a las siete y media de la mañana. La primera hora es estresante porque solo tenemos 60 minutos para que Susana esté impecable y lista para el directo. Normalmente dejo tres cambios de ropa preparados en el camerino, probamos y elegimos», cuenta Cristina López-Sors, que tras ser escaparatista se decantó por el mundo del estilismo de televisión.

En un magacín matinal la actualidad manda hasta en la indumentaria del presentador. «Dependemos de la noticia del día o del contenido del programa. Por ejemplo, si Susana va a entrevistar a un ministro o a un expresidente, hay que pensar más en el vestuario porque va a ser más visto. Lo que tenemos claro es que los lunes siempre empezamos con algo de color para levantar el ánimo y los viernes terminamos con un look más sport, normalmente con vaqueros».

Por sus manos han pasado desde Matías Prats a Ana Rosa Quintana. De su etapa en informativos en Antena 3 destaca su obsesión por el detalle: «Cuando el presentador es solo un busto, debe estar perfecto. No puedes fallar en nada: el ojal de la chaqueta, los pendientes… Puedes introducir pequeños cambios, pero sin que se note, y eso es también un reto. En el magacín, sin embargo, el público quiere que lo sorprendas: sabemos que una de las cosas en las que más se fija la gente es en la ropa que lleva la conductora del programa».

Cristina reconoce que, en general, no le gusta el estilismo que ve por televisión: «Hay demasiado maquillaje y exceso en el vestuario. Yo soy más clásica, me gustan las mujeres naturales y elegantes. Además, hay que tener cuidado con las prendas y los colores porque la leyenda de que la televisión engorda es cierta. Mejor decantarse por malvas y azules y escotes en pico».

El éxito de las series de factura nacional

http://smoda.elpais.com/articulos/series-de-factura-nacional/6183

Políticamente neutrales y con buenas dosis de historia y heroicidad, los proyectos nacionales experimentan formatos, seducen a nuevas audiencias y compiten en el mercado internacional.

DANIEL ÉCIJA
Presidente de globomedia

La ficción televisiva en España es una suerte de experimentación y negocio que durante el último cuarto de siglo ha evolucionado a imagen y semejanza de la trayectoria de Globomedia, la empresa más paradigmática del sector. Creció con las privadas y ha sido partícipe de algunos de los títulos nacionales más representativos. Con dos décadas al frente de la productora y 46 series a sus espaldas, su alma máter, Daniel Écija, no vive de nostalgias: «Hace 22 años creamos este taller de innovación y creatividad que es Globo, estrenamos la industria de los guionistas de televisión y los directores de ficción, que no existían hasta llegar nosotros; y hoy día conservamos las mismas ganas de jugárnosla. Asumir riesgos es nuestro motor».

Écija no confía en fórmulas repetidas  –«siempre te acaban penalizando»- y para esta primavera pretende dar la campanada con dos ficciones antagónicas para las cadenas privadas. «Tras el final de Aída, Mediaset nos encargó una comedia de situación y hemos ideado Anclados, con un reparto encabezado por Rossi de Palma, Úrsula Corberó y Joaquín Reyes, que nos va a definir como productora vanguardista», explica.La segunda apuesta para 2015 es un drama en el que Écija ha querido simbolizar sus ganas de tensar la cuerda. «Vis a vis, con un pie en la TV de pago y otro en la convencional, es un proyecto exigente y valiente en su planteamiento. La protagonista, por ejemplo, es una actriz desconocida, Maggie Civantos». La serie, para Antena 3, está ambientada en una cárcel de mujeres.

Orgulloso de lo que ha conseguido profesionalmente –el grupo ha pasado de tener 118 empleados en 1996 a 610– para Écija, la clave de la supervivencia está en «no dejar nunca de innovar. Por más que hayamos creado una industria de donde no había nada, y generado puestos de trabajo que en 1995 ni siquiera existían, no somos empresarios: Globomedia es la historia de una ilusión y una vocación, más allá del negocio». Y es que, según el directivo de esta empresa que llenó los hogares de los españoles de médicos, periodistas y bailarines, iniciando la adicción a la ficción made in Spain, es imposible no dejarse algo de vida en cada producción. «¿Mi favorita? Quizá aquella en la que más miedo tuve, de la que dependía mi carrera. Periodistas marcó mi futuro profesional. Fue la primera en la que estuve al frente en producción y dirección y no se me ocurrió otra cosa que hacerlo con un reparto rarísimo formado por una modelo (Esther Arroyo), un actor catalán que no conocía nadie (Joel Joan) y una persona que nunca había hecho ficción y a la que yo estaba ligado emocionalmente (Belén Rueda)». El proyecto se mantuvo nueve temporadas, «con cuatro imberbes inicialmente al frente que escribíamos por la noche, dirigíamos por la mañana y volvíamos a montar la noche siguiente», recuerda.

LOS GUIONISTAS, EL PUNTO DE PARTIDA

«A mí nadie me toca una coma». Esta frase resume el talante de este colectivo que, desde su anonimato, dicta el devenir de las nuevas tramas y personajes que están logrando diversificar las audiencias. La profesión es concebida por Pilar Nadal (Águila roja, Los Serrano. Premio Talento 2014) como «una carrera de obstáculos. El reto de este oficio está, en gran medida, en proteger lo que has creado». «Y en que no te toque un mal actor o un director que no esté fino, ya que, entonces, aquello no hay forma de arreglarlo», explica desde la veteranía y la experiencia Eduardo Ladrón de Guevara, que comenzó a escribir para televisión en 1995 y ha comandado los textos de Farmacia de guardia, Los ladrones van a la oficina o Cuéntame, la que más reconocimientos le ha aportado.

«Hacer comedia es lo más difícil –explica Alberto Caballero, responsable de revolucionar el género con Aquí no hay quien viva y La que se avecina–. En un drama que no te emocione, siempre habrá otras cosas (que sea realista, que esté bien hecho…) que salven el producto. Pero si una comedia no tiene gracia, pierde el sentido, es una estupidez. Como, además, no sabes dónde está el éxito ni la chispa de humor, la escritura se convierte en una paranoia tremenda».

De izda. a dcha.: Alberto Caballero, Eduardo Ladrón de Guevara, Pilar Nadal, Javier Olivares, Laura Caballero y Antonio Onetti.

Foto: Félix Valiente

 

Cargados de anécdotas que hablan de estrellas que llegan al rodaje con su propia adaptación del texto, productores «que someten los guiones al escrutinio del portero de su casa», según recuerda Javier Olivares (Isabel, Víctor Ros y El ministerio del tiempo), y peleas cotidianas contra capítulos demasiado largos por la saturación de tramas secundarias, los guionistas han decidido dar el salto y convertirse en directores y productores de las series que escriben. Es el caso de Olivares, que se ha iniciado en el mundo de la producción con El ministerio del tiempo, una pequeña revolución entre los formatos televisivos que, desde su estreno en TVE 1, ha contado con el abrumador respaldo de la crítica. «Yo me he ido de algunas producciones porque sentía que no me respetaban. Es más, he dejado el guión y me he vuelto a mis clases de Arte en dos ocasiones. Con El ministerio… lo controlo todo y creo que el resultado habla por sí solo». El riesgo compensa.

Para Antonio Onetti (Padre coraje, La catedral del mar), la necesidad que tienen las cadenas generalistas de «gustar a todo el mundo y no molestar» es un hándicap: «Nos ponen muchos límites. En un programa de actualidad se busca la controversia, pero en una serie no se pueden tratar temas que molesten para no echar a parte de público». «Audiencia no significa calidad, pero sí continuidad, y si algo funciona te ganas el derecho a hacer las cosas como tú quieres: el éxito te salva», aclara Alberto Caballero. Su hermana Laura, compañera de guión, confiesa que la cadena nunca les ha puesto imposiciones con los contenidos: «Recuerdo que, tan solo al principio de Aquí no hay quien viva, nos dijeron que en la habitación de los gays teníamos que poner camas separadas… Lo luchamos mucho y, al final, conseguimos que no se cambiara. Pero solo es una anécdota». 

CARACTERIZACIÓN. VESTIR LA FICCIÓN

Huyen del sustantivo estilista. Prefieren otros más evocadores, como figurinista o director de vestuario, y la realidad es que narran a golpe de puntada. Solo unos pocos se encuentran entre los más reconocidos, solicitados y reputados de la televisión nacional. Son miembros de un selecto club que tiene su santuario particular en la madrileña Sastrería Cornejo, donde suelen coincidir. Ellos han demostrado su poder para potenciar la credibilidad de los personajes: Helena Sanchís, por el estilo retro de Velvet (tambiénGran Reserva y Gran Hotel; todas de Bambú producciones); Elena Regadera, cuando recrea los años veinte en El secreto de Puente Viejo (Boomerang) y Pepe Reyes al vestir a la corte de la reina Isabel en la serie de Diagonal TV.

Saben que la visibilidad de su trabajo es mayor cuanto más se retrotraen los personajes en el tiempo. «El vestuario de una serie de época (ahora tan de moda) tiene más visibilidad porque hay más inversión, pero el trabajo no es mayor ni más difícil que el de una serie contemporánea», explica Helena Sanchís, quien explica que para Velvet cuenta con un equipo de seis personas, que en ocasiones puntuales se incrementa hasta 14. Elena Regadera destaca la diferencia de trabajar en una serie diaria que ha cumplido 1.000 capítulos: «Impone un ritmo trepidante: yo cuento con un equipo de diez personas. Grabamos 1,2 capítulos al día y no siempre disponemos de tiempo y dinero para encargar vestimenta. Hay un 25% de confección propia».

Con burros llenos de stockage, prendas confeccionadas ad hoc, tejidos reciclados y atuendos sacados del baúl de las abuelas… la pregunta es: ¿los actores no llevan jamás indumentarias de colección, piezas auténticas sacadas de museos? «No –dice Pepe Reyes– sería impensable cubrir a Michelle Jenner con una tiara auténtica, ninguna aseguradora se haría cargo». Así que los reyes católicos lucen de trapillo pero hay un trabajo exhaustivo detrás: «El traje más caro ha salido por 2.000 euros, que es el que luce la reina en su entrada a Granada», explica Reyes, curtido en mil caracterizaciones que van desde Hispania a La República. Su alter ego es Martha Marín, responsable del maquillaje de Isabel e integrante del equipo de Carlos V, en rodaje. «Nuestro trabajo es conseguir adaptar los personajes históricos al gusto actual, hacemos ficción, no un documental, por eso hay licencias estéticas. De otra manera tendríamos que sacar a los actores con dentaduras estropeadas y aspecto insalubre, como eran realmente». Damas de la burguesía, princesas, iconos de los años veinte… el efectismo más edulcorado está de moda pero la caracterización no termina en el refinamiento. «El preciosismo es muy agradecido, pero cansa –ataja Sanchís–. A mí me encantaría hacer una adaptación de Dickens, por ejemplo».

Elena Regadera, Helena Sanchís, Martha Martí y Pepe Reyes.

Foto: Félix Valiente

LOS PRODUCTORES. RENTABILIDAD EN EL NEGOCIO

Lograr que las series más vistas sean, además, las más rentables; hacer de puente entre el equipo de guionistas, directores y actores y la cadena; poner su sello en los títulos de crédito; y entender que cada producción no acaba cuando se apaga el mando a distancia son solo algunas de las tareas de los productores ejecutivos.

Nadie como ellos conoce tan bien los efectos colaterales de la crisis publicitaria que ha vivido el sector. Son conscientes de lo que implica la fragmentación de audiencias, la multiplicación de señales hasta sobrepasar los 40 canales actuales y la repercusión de la fusión de las generalistas hasta ceñirse a seis; tres si las clasificamos por grupo mediático. Esta catarsis ha cambiado radicalmente el panorama de la producción de ficción fortaleciendo a las empresas de televisión y dotándolas de nuevas herramientas. Para Teddy Villalba, productor de Hermanos y Los nuestros, la miniserie revelación del año, «este tiempo de crisis nos ha ayudado a pensar cómo teníamos que cambiar el modelo y nos hemos depurado». Su compañero de Boomerang, Josep Císter (El secreto de Puente Viejo, Acacias 38) está de acuerdo: «Antes, desde los pilares de creación, dirección y producción se trabajaba de forma independiente, y a veces funcionaban como reinos de taifas. No iban tan de la mano. Ahora se impone la sensación de que, para levantar el producto, tenemos que estar todos a una».

«Desde nuestra posición estamos volviendo a donde lo habíamos dejado antes de la crisis. Hemos evolucionado, dejado el monopolio de la serie familiar, y nos hemos centrado en formatos distintos a los que les estamos inculcando una visión internacional. La comedia ya no es tan local para que pueda viajar mejor y las producciones históricas y tantas otras tienen un interés fuera de nuestras fronteras impresionante», comenta Jaume Banacolocha, máximo responsable de Diagonal TV.

Insisten. Todo pasa por la reconversión de los nuevos hábitos de consumo: «Queremos series que hablen de otra forma, exigirnos mucha calidad e innovar en formatos que puedan verse no solo en una televisión generalista, sino que tengan cabida en la visión bajo demanda y que se puedan exportar a otros países», corrobora Emilio A. Pina, productor de El tiempo entre costuras (Boomerang) y Apaches, un breaking bad a la española de New Atlantis (Grupo Secuoya) para Antena 3 que comenzó a rodarse esta misma semana.

La recuperación de la publicidad televisiva ha supuesto nuevos aires para la producción «pero no suficientes –ataja Villalba–. Somos las productoras las que estamos asumiendo las rebajas, y aunque los presupuestos se han incrementado un 8% desde la crisis, no se corresponde con la calidad que estamos haciendo». Es una demanda constante entre los productores: el nivel de calidad a bajo coste. En España, aunque la horquilla es muy amplia, las series rondan los 500.000 euros de presupuesto por capítulo, mientras que, por ejemplo, una entrega de Juego de tronos ronda los seis millones de dólares. En ese margen se encuentran la mayoría de producciones (Velvet…). Aunque el gasto se incrementa cuando hablamos de las series que emite TVE-1 que, además, no se financian por la publicidad. Cuéntame (a casi 800.000 euros por entrega), Isabel y Águila roja, que no bajan de los 700.000 euros por capítulo, encabezan la lista. Curiosamente, El tiempo entre costuras, uno de los títulos con más presupuesto (un millón de euros para cada una de sus 11 entregas), estuvo en un cajón de Antena 3 durante un año y medio, hasta que la privada pensó que era el momento para amortizar el gasto.

Otra novedad. En lo que se refiere a las adaptaciones literarias, la televisión ha tomado el testigo del cine en los últimos años. «Hace tiempo éramos los productores los que íbamos a los autores y no siempre con éxito, y ahora es al revés: nos llueven las propuestas de adaptaciones, algo en lo que ha influido la novela de María Dueñas, sin duda», explica su productor, Emilio A. Pina, quien quiere repetir el éxito literario-televisivo con Apaches, basada en la novela homónima de Miguel Sáez Carral. Esa interactividad entre libro-serie se produce también a la inversa: «A veces es el éxito televisivo el que propicia la edición de la novela, como en el caso de Isabel, de reciente publicación», recuerda su productor, Jaume Banacolocha.

Teddy Villalba, Josep Císter, Emilio Pina y Jaume Banacolocha.

Foto: Félix Valiente

DIRECTORES Y DIRECTORES DE ‘CASTING’. EL UNIVERSO COMÚN: LOS ACTORES

Que la televisión y el cine están cada vez más cerca se evidencia, sobre todo, en dos oficios troncales para el éxito de todo producto audiovisual. Desde su respectiva responsabilidad, directores y responsables de casting aseguran que encaran sus proyectos con el filtro cinematográfico y la excelencia como cláusula. «No estoy de acuerdo con esa concepción de que el cine es el hermano mayor y la televisión el pequeño. Creo que esa época en la que el espectador tenía la tele de fondo y se buscaba un consumo fácil se ha acabado. Las series han sabido reaccionar al probar géneros diferentes y contar con una realización de cine: se rueda cada capítulo como si de una película se tratase», explica Marc Vigil (director de El ministerio del tiempo. Aída yÁguila roja).

Para Gracia Querejeta, con una más que solvente trayectoria en el séptimo arte, firmar series como Víctor Ros y Sin identidad supone una «buenísima experiencia», aunque ella añade que el trabajo «es mucho más incómodo porque hay que rodar a mayor velocidad: en una jornada cinematográfica no se suelen hacer más de cuatro páginas de guión y en la tele llegamos hasta 11».

Jorge Sánchez-Cabezudo (Crematorio, Bajo sospecha) se confiesa un amante de la pequeña pantalla «y, sobre todo, de ese formato de series de ocho capítulos que a la par que te facilitan contar algo concreto permiten profundizar en los personajes a través de varios formatos, porque hay historias que no caben en una película».

El futuro pasa por la transformación de operadoras en creadoras de contenido. Hace unas semanas, Movistar Series anunciaba el fichaje de los dos últimos ganadores del Goya al mejor director, Alberto Rodríguez y David Trueba, para generar su propia ficción. Sánchez Cabezudo, responsable de Crematorio de Canal +, cuenta: «La gente por la calle me pregunta por qué no hacemos series como The Walking Dead, y la respuesta es muy sencilla: por que las tenemos que costear». El debate está en saber si el público pagaría para conseguir más calidad: «Yo creo que sí», apunta.

Los directores de casting, que no diferencian entre trabajos para cine o televisión, buscan al personaje en cualquier rincón del planeta. «Aunque es un mito que vayamos por el metro como locas buscando caras», recuerda Yolanda Serrano, quien, junto a Eva Leira, es la responsable de haberle puesto rostro a Sira, del best seller de Dueñas, y a la esperada Allí abajo, próximamente en emisión. «Recuerdo que nos encargaron El tiempo entre costuras en verano y en todas las piscinas veíamos a gente leyendo el libro. Pensamos: ‘¡La que nos ha caído!’», explica Leira.

Juan León (Sin identidad, Isabel) comenta que le gusta buscar «rostros en los escenarios teatrales». Él presume de que, tras la intuición, «siempre hay un proceso de trabajo en equipo». Para Luis San Narciso, el más veterano, que no se considera un «cazador de talento», lo más gratificante es redescubrir actores que están en otros registros, «como me pasó con Carmen Machi para Aída», recuerda.

De izda. a dcha.: Yolanda Serrano, Juan León, Eva Leira, Luis San Narciso, Jorge Sánchez Cabezudo, Gracia Querejeta y Marc Vigil.

Foto: Félix Valiente

En chino, la palabra crisis se compone de dos caracteres: uno representa peligro y el otro, oportunidad. En los últimos años, el sector audiovisual se ha visto inmerso en una crisis en la que el descenso de publicidad (según Infoadex, la inversión en medios se redujo prácticamente a la mitad que en 2007), la fragmentación de audiencias y la migración de los espectadores a otras formas de consumir ficción (la cifra de abonados a la televisión de pago aumentó en 2014 un 23,32% hasta llegar a los 4,76 millones de clientes, según datos de la Comisión Nacional de los Mercados y la Competencia) han marcado el panorama actual. De series de médicos, periodistas y familias hemos pasado a atrevidos proyectos en los que cadenas y productoras han apostado por una nueva forma de contar sin límites argumentales. En las tramas mandan: historia, ciencia ficción, terror, el drama descarnado, temáticas de actualidad y comedias políticamente incorrectas. Ahora que la facturación publicitaria en televisión ha superado la debacle del último lustro (la inversión creció en 2014 un 11% hasta llegar a los 1.701,1 millones de euros en el caso de las generalistas), el espectador empieza a beneficiarse de una riqueza en forma y fondo. «En España estamos haciendo producciones para el público en abierto que en cualquier otro país del mundo solo tendrían cabida en el pay per view (‘pago por visión’)», asegura Jaume Banacolocha, máximo responsable de Diagonal TV. Hace años hubiese sido impensable concebir series de zombis como Rabia (próximamente en Telecinco, con Carles Francino y Malena Alterio), recreaciones históricas como las que triunfan e historias del terrorismo más reconocible (Los nuestros).

Otra de las señas de madurez de la ficción patria ha sido la capacidad de venderse fuera de nuestras fronteras. El secreto de Puente Viejo, serie diaria de Antena 3, se ha exportado a más de 15 países y atesora un éxito sin precedentes en Italia, donde se emiten 11 capítulos a la semana con una audiencia del 30%. En Chile ha alcanzado tal popularidad que durante la última visita oficial a España de la presidenta Bachelet, la actriz María Bouzas (una de sus protagonistas) fue invitada a la cena de honor en el Palacio Real. El tiempo entre costuras, por su parte, presenta una lista de exportaciones de vértigo: presente en casi 20 países ha llegado hasta Nigeria, convirtiéndose en la primera ficción española que se emite en un país africano de habla inglesa. Isabel no se queda a la zaga: la sombra de los reyes católicos llega a Brasil, México, EE UU y Rusia.

¿Problemas? A la hora de viajar fuera, por ejemplo, nuestro atípico metraje supone un escollo. Las televisiones españolas estiran hasta el extremo la duración de los episodios para que sean más competitivos. Cuestión de rentabilidad: a más metraje, más cortes publicitarios y una cuota de pantalla más alargada. Con ello, además, permiten resolver el prime time con una sola serie. En EE UU la franja de máxima audiencia está integrada por varios títulos, por lo que éstos no exceden de 50 minutos (la mitad en el caso de lassitcoms). Las series en España están en torno a los 70 minutos, a lo que si añadimos los cortes publicitarios sitúan la emisión en dos horas.

La televisión generalista (las nacionales en abierto) sigue siendo el motor de la producción. Los datos de audiencia, a pesar de la eterna polémica, constituyen el desayuno de directivos, productores y anunciantes. Los espectadores siguen teniendo esa capacidad de movilizarse ante un evento y generar los datos millonarios de antaño. Así, El príncipe saldó su primera temporada con registros propios de la Champions League de fútbol al llegar a los 6 millones de televidentes. Y El tiempo entre costuras tuvo un share del 30% con un debut de más de cinco millones de audiencia. Y es que la cadena de Planeta no da puntada sin hilo; en su icónica Velvet fue capaz de congregar al 24,7% de los espectadores en el último episodio de la temporada. Isabel, Cuéntame y Águila roja, de TVE-1, se quedan en el filo de los cuatro millones de espectadores.