¿Cómo empezaste a trabajar en el cine y a vincularte al departamento de vestuario?

Pues puedo decir que fue gracias a Fernando García. Yo estudié Diseño de Moda y Patronaje, y allí coincidí con Fernando y nos hicimos muy amigos. Al terminar en esa escuela, monté un taller y una marca de ropa con unas compañeras. Fernando trabajaba con su hermano, Antonio García, pero le surgió la oportunidad de probar en el mundo del cine y fue él quien me llamó. Y no lo dudé, dejé mi tienda y me metí con él en este mundo. Eso sería en el año 2000 o por ahí. Fernando es como mi marido profesional, nos une una amistad de toda la vida y hemos formado un tándem bastante curioso, nos complementamos muy bien.

Tu primer proyecto como directora de vestuario (Villaviciosa de al Lado) lo has asumido bastante después, en 2016.

Sí, fue muy importante que Alberto Rodríguez apostara por Fernando y detrás de él siempre he ido yo. Siempre hemos estado enfrascados en proyectos interesantes los dos juntos. Y, ¿como decirlo?, yo no soy una persona ambiciosa, estoy muy contenta con los proyectos que he hecho y cuando ha surgido la ocasión con el tiempo de asumir otros proyectos por mi cuenta también lo he hecho de forma natural.

En ese sentido, ¿tu manera de trabajar ha sido muy diferente en los proyectos que has asumido como directora a la de los otros en los que has participado como ayudante?

Pues la verdad es que no. Obviamente, como directora hay una responsabilidad mayor, eres el referente del equipo. Pero la verdad es que mi proceso de trabajo ha sido muy parecido en todos los trabajos. Cuando he trabajado como ayudante de Fernando, siempre me he incorporado con él desde el minuto uno a los proyectos y hemos trabajado codo con codo.

 ¿Y cómo le resumirías el proceso de trabajo en el departamento de vestuario para alguien que no lo conozca?

Cuando te proponen un proyecto y te mandan el guión, lo primero es desglosarlo e ir viendo cómo va a ser el vestuario de los personajes. En esa fase ya nos documentamos mucho. A mí me encanta el cine y buscamos muchas referencias de otras películas, por ejemplo. Ya con la propuesta de vestuario vamos a negociar con el director de producción, que para mí es la figura más importante de un rodaje, para ver de qué presupuesto vamos a disponer.
Y, claro, también es fundamental hablar con el director para ver si la idea de vestuario que tenemos de los personajes coincide con la que pueda tener él. En todo este proceso, hay muchísima psicología. Tenemos que llegar a un acuerdo entre lo que nosotros pensamos y lo que piensa el director.

 ¿Con qué otros departamentos es importante que esté coordinado el departamento de vestuario?

Para mí, vestuario no es absolutamente nada sin maquillaje y peluquería. Es un tándem que debe ir siempre de la mano. Y cuando hay un buen entendimiento entre esos dos departamentos las cosas salen redondas. El look debe ser total: una peluca mal puesta o un rabillo del ojo demasiado acentuado te pueden sacar del personaje. Y un complemento mal elegido también. Hay que crear un estilismo completo en el que todo se compenetre.
Y por otro lado está por supuesto el departamento de arte. Todo debe ir acorde con el personaje. Pero desgraciadamente muchas veces es muy difícil coordinarse con el departamento de arte, van siempre muy ajustados de tiempo. Yo he tenido la suerte de coincidir en muchos proyectos con amigos que se dedican a la dirección artística, como Pepe Domínguez del Olmo o Vanesa de la Haza, y al tener mucha complicidad con ellos hemos podido hablar más, intercambiar ideas, enseñarnos bocetos… Pero ya te digo, es siempre difícil por una cuestión de tiempo.

Lourdes Fuentes junto al actor Joaquín Núñez, en el rodaje del corto ‘Propiedad privada (Se vende)’, de Carmen Quijada

 Te has encargado de vestir géneros, épocas y propuestas estéticas muy diferentes. ¿En cuáles te sientes más a gusto?

Cuando empecé a trabajar en esto, siempre tenía muchas ganas de hacer cine de época. Nos parecía lo más complicado y lo más lucido. Suelen ser además las películas en las que se valora más el vestuario y que cuentan con más presupuesto y un departamento de vestuario más grande. A mí realmente, creo que la época se me da bastante bien. E incluso podría decir que me resulta más cómodo. En España hay unas empresas muy potentes de alquiler de vestuario para cine, que tienen unas naves enormes atestadas de ropas de todos los sitios  y de todas las épocas.
El vestuario de una película actual creo que en el fondo es más complicado. Por ejemplo, en Siete vírgenes, nos costó muchísimo encontrar una camiseta para el protagonista que nos convenciera, que fuera realmente con ese personaje. Ocurre además que cuando durante un tiempo estoy haciendo vestuario de época, al pasar a hacer algo ambientado en la actualidad me da como pereza. Pero he hecho vestuarios de todo tipo y me gusta hacer de todo.

 La ambientación de la ropa es una parte fundamental de la caracterización de los personajes y también se soluciona en el departamento de vestuario, ¿no?

Así, es. La ambientación te da la verdad. Después de la experiencia de haber trabajado en La peste, mi vida ya no se concibe sin la ambientación. Es fundamental, te da realismo. En la última película que he hecho, por ejemplo, Adiós, hay muchísima acción y los personajes son muy callejeros, muy trabajados. He podido contar con un ambientador, Jesús Romero, con el que ya había coincidido en La Peste y la verdad es que la ambientación hace muchísimo.

 ¿De qué proyecto te sientes especialmente satisfecha?

Estoy muy orgullosa de todos, la verdad. Hay guiones que te apasionan. Recibir un guion de Rafael Cobos, por ejemplo, es un disfrute. Hay otros proyectos que no me han interesado tanto pero que también los he afrontado  como trabajo, en positivo. Si me tuviera que quedar con una película creo que sería con Yo, también (Antonio Naharro y Álvaro Pastor, 2009). Fue una película muy sencilla, muy pequeñita, con un presupuesto muy bajito. Pero fue tan emocionante, lloramos tanto en esa película… Allí lloró hasta el jefe de eléctricos.
Y La isla mínima también fue muy especial, porque nos dio muchísimas alegrías. Le dieron el Goya a Fernando García y yo estaba allí, con él. Fue uno de los mejores días de mi vida. Fue una película tan dura, hecha con tanto esfuerzo, con un equipo tan entregado, que luego los Goyas nos dieron un subidón tremendo. Hubo una camaradería impresionante. Y estaba todo el equipo nominado, vivimos una euforia colectiva.

 ¿Y qué es lo más difícil que has tenido que preparar para el vestuario de una película o una serie?

Lo primero que se me viene a la cabeza en ese sentido es la figuración de La peste. Buscaron muchas personas amputadas o con malformaciones, porque en el siglo XVI había muchas personas con esas características que vivían en la marginalidad. Reflejar ese mundo fue un reto bastante complicado. Y al mismo tiempo fue muy satisfactorio, me encontré con un montón de gente sin complejos, con una valentía increíble. Recuerdo especialmente a una chica a la que le faltaba un brazo. La vestí de mendiga y ese look me encantó. Esos personajes oscuros de La peste, en los que también intervenía mucho el equipo de maquillaje, fueron una creación muy gratificante.

¿Y has tenido que alejarte alguna vez mucho de un registro realista para hacer algo raro? ¿Marcianos o zombies o algo así?

De momento, marcianos no he hecho [risas]. Pero sí he hecho astronautas. En un teaser para un proyecto, tuvimos que crear un astronauta y la verdad es que quedó impresionante. El traje de astronauta fue un sufrimiento brutal pero al final lo conseguí. Y zombies tampoco he hecho, pero muertos o medio muertos he hecho muchísimos, eso sí.

 ¿En qué película de la historia del cine te hubiese gustado encargarte del vestuario?

Es tan complicado quedarse con una sola. No sé, por ejemplo, David Lynch hace un tipo de cine que me parece fantástico y me hubiese encantado hacer el vestuario de Dune. O de alguna otra película de Lars von Trier o de Peter Greenaway. De El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante, que tiene un vestuario increíble que hizo Jean Paul Gaultier.

Y además de eso yo soy una chica muy romántica. Me encanta Stendhal, me encanta Jane Eyre. Así que una película por ejemplo como Las amistades peligrosas, ambientada en el siglo XVIII, me hubiese encantado. Y más con esos presupuestos que se manejan. Pero también Superman o Fiebre del sábado noche por decir otras dos muy distintas.

 ¿Y a qué actores o actrices te gustaría vestir?

Tengo uno que me vuelve loca: Mads Mikkelsen, por decirte uno extranjero. Y españoles hay muchos a los que admiro y con los que me gustaría trabajar. Y he tenido la suerte de trabajar también con muchos otros que me encantan: Lola Dueñas, Eduard Fernández, Antonio de la Torre…

 ¿Qué le contarías a alguien que quiera dedicarse al vestuario de cine?

Una pauta lógica es que yo le doy muchísima importancia a mi trabajo. Necesitas prepararte, documentarte, leer mucho, ver muchísimo cine…  Hay muchos figurinistas que no saben coser pero todo eso complementa. Conocer cómo es un tejido, cómo funciona, cómo se lava, cómo respira en una pantalla… Todo eso es una formación que se va creando capa a capa con el tiempo. Y todo sirve. Aunque tú no tengas que coser, debes saber cómo está construida una prenda. Estudiar diseño está muy bien pero hay que complementar con todo eso.
Y a la gente que estudia en las escuelas de diseño y patronaje me gustaría enseñarles que hay muchas cosas que se pueden hacer más allá de la moda. Esta del vestuario para cine, para televisión o para teatro es una salida muy bonita y con muchas posibilidades. Y no todo el mundo tiene que llegar a ser figurinista, no se trata de eso, pero dentro del equipo de vestuario hay muchísimos cargos: la ambientación, como hablábamos antes, o la sastrería de rodaje son ocupaciones fundamentales. Y muchas más. Es un mundo que puede dar muchísimas satisfacciones.

la intención de Netflix desde el principio fue buscar el público más familiar con una serie que reuniera los mismos ingredientes que Gran Hotel y Velvet, de ahí la alianza con Bambú. Los primeros guiones que recibió la plataforma internacional generaron alguna controversia por no ajustarse del todo a su objetivo pero finalmente se dio luz verde al proyecto. Teresa Fernández Valdés, co-directora de Bambú, nos confirmó que la primera temporada tendrá 8 capítulos –en principio se había hablado del doble, 16, cada uno de ellos de 50 minutos de duración– y ya se está grabando la segunda, de esos 8 restantes. Es la misma estrategia que Netflix ha seguido con The Get Down.

La serie se inicia en el Madrid de 1928. La compañía nacional de teléfonos abre su sede en el centro de la ciudad y cientos de chicas se presentan para conseguir un trabajo como operadora, en el único lugar que representa progreso y modernidad para las mujeres de entonces. Desde ese día, los celos, envidias y traiciones se mezclan con la ambición, la amistad y el amor de los personajes de Las chicas del cable.

El grupo de las cuatro protagonistas está formado por:

Lidia es Blanca Suárez (El barco y El internado, están entre sus trabajos); Marga es Nadia de Santiago (que destacó en Musarañas y Amar es para siempre); Carlota es Ana Fernández (Los protegidos, entre sus series) y Ángeles es Maggie Civantos (reconocida en Vis a vis).

Creada por Ramón Campos y Gema R. Neira, escrita por Ramón Campos, Gema R. Neira y María José Rustarazo y dirigida por Carlos Sedes y David Pinillos.

Entre los personajes de la serie veremos también a Sara (Ana Polvorosa, Aída, Amar en tiempos revueltos), Francisco (Yon González, Gran Hotel, Perdiendo el norte), Carlos (Martiño Rivas, El internado, Tres bodas de más), Pablo (Nico Romero, Cita a ciegas), Miguel (Borja Luna, Isabel), Mario (Sergio Mur, Gran Reserva) y Doña Carmen, interpretada por Concha Velasco (Bajo sospecha, Motivos personales, Teresa de Jesús).

Erik Barmack, Vicepresidente Internacional de Original Series en Netflix ha comentado: “Desde Netflix estamos tremendamente emocionados con el inicio del rodaje de nuestra primera serie española original con un equipo técnico y artístico tan formidable. Tenemos completa confianza en que Teresa y Ramón, creadores de series de éxito internacional como Gran Hotel y Velvet, van a producir una historia única y emocionante”.

Por qué el vestuario de la ‘Las chicas del cable’ no será un nuevo ‘Velvet’

Helena Sanchís, figurinista de la primera ficción nacional de Netflix, nos cuenta cómo una sastrería italiana salvó parte de los ‘looks’ de la serie y por qué sus protagonistas se olvidarán de llevar sujetador.

La ficción, ambientada en el Madrid de 1928, promete enganchar a los fanáticos de las historias de época: algunos ya la han bautizado como la sustituta de Velvet, no en vano los mismos creadores –Ramón Campos y Gema R. Neira– están detrás de la que promete convertirse en la producción nacional de la primavera. También la responsable del vestuario de Velvet, la figurinista Helena Sanchís, está a la cabeza del guardarropa de Las chicas del cable. Eso sí, no esperen cinturas marcadas, faldas con volumen ni siluetas enconsertadas. Estamos en los años 20 y la ropa es el gran arma para perfilar la libertad de la que fugazmente disfrutaron las mujeres.

“No nos hemos inspirado en ningún diseñador en concreto pero sí hemos indagado en archivos de la época para retratar la liberación que vivía la mujer a través de los vestidos sueltos y de los colores profundos, como de película, que se lucían en aquel momento”. Para conseguirlo, ella y su equipo han recuperado prendas originales de la década que encontraron en una pequeña sastrería italiana. “Sobre todo hemos conseguido vestidos de noche. Están bordados a mano pero son tan antiguos que prácticamente se deshacen. Eso sí, son ‘para llorar’ de los bonitos que son”, nos cuenta la directora de vestuario de la serie. Las protagonistas son las privilegiadas que lucirán las piezas originales. El resto del reparto, así como la figuración, llevarán réplicas. “Hemos vuelto a trabajar con la Sastrería Cornejo, la más importante de nuestro país. Con ellos hemos hecho todo el vestuario masculino y parte del femenino. El resto de looks los hemos confeccionado en nuestro taller utilizando tejidos actuales –porque es imposible conseguir originales– combinados con cuellos, bordados y encajes que sí pertenecen a la década”, añade.

Uno de los aspectos que más se han tenido en cuenta a la hora de vestir a las actrices es la personalidad de cada personaje. “Marga (Nadia de Santiago) es más pueblerina y eso se refleja en el uso de tejidos más bastos como algodones o linos. Sin embargo, Lidia (Blanca Súarez) es mucho más enigmática y sensual. Carlota (Ana Fernández) es una niña bien que se rebela precisamente contra eso y Ángeles (Maggie Civantos) es la perfecta ama de casa, característica que plasmamos a través de los estampados”. También la moda sirve para marcar una gran diferencia entre las jóvenes cuando trabajan y cuando disfrutan su tiempo libre. En la compañía telefónica, las actrices van de uniforme: un vestido azul con cinturón y lazo al cuello que la diseñadora ideó inspirándose en las telefonistas de la época y modeló en el cuerpo de cada actriz. “Parece una prenda sencilla pero a veces son esas las que más trabajo dan. Por suerte, los años 20 fueron una época muy fotografiada por lo que hemos tirado de archivo y de revistas para diseñar. En cuanto al color, es un azul muy especial. Queríamos reflejar lo colorista que fue la década en contraposición a la guerra que estaba por venir”, defiende Sanchís.

Cuando ‘las chicas del cable’ abandonan la oficina y salen a la calle –siempre se cambian de ropa en el edificio de Telefónica– se despliega un abanico de posibilidades estilísticas en el que los accesorios son fundamentales. “Los sombreros, sobre todo los casquetes ajustados, son muy importantes. Hemos conseguido algunos originales también en Italia. Además se utilizan guantes en los eventos de fiesta y los zapatos se han confeccionado a medida”, adelanta la diseñadora. A pesar de que Concha Velasco confesó que “el vestuario es muy el Gran Gatsby“, la ropa que lucen las protagonistas es la de cuatro jóvenes que acaban de empezar a trabajar. La comodidad prima por encima de todo. “Es cierto que el Gran Gatsby es un referente porque es un buen retrato de los años 20. Carmen Cifuentes, el personaje interpretado por Concha Velasco, encarna muy bien el glamour de ese momento porque es una mujer adinerada y poderosa. También el personaje de la madame da más juego para hacer cosas estrambóticas y arriesgadas. Por lo demás, hemos recreado el look urbanita de finales de los años 20. En esta serie la moda es importante porque forma parte de la vida pero no al nivel de Velvet“, aclara.

Eso no quita que se haya cuidado hasta el más mínimo detalle, incluida la ropa interior: “En estos años la mujer deja de estar oprimida, las más atrevidas ni siquiera llevaban sujetador. Hemos querido ser fieles a eso consiguiendo en anticuarios combinaciones y sujetadores originales que se verán en pantalla cuando las actrices se cambien de ropa a la llegada y salida del trabajo”, afirma la figurinista. En cuanto al maquillaje y la peluquería, parece que veremos mucho labio rojo y pelucas.

En una publicación de Instagram, la actriz Blanca Suárez dejó un críptico mensaje: “Hello. Cosas que pasan cuando interviene Netflix. Nada es lo que parece”. Justo detrás de ella se podían apreciar diferentes caras de maniquíes con distintas pelucas. Además, la actriz aparecía con el pelo recogido ya que, con total seguridad, tendría que grabar con una de las pelucas que quedaban a su espalda.

Sobre Netflix

Con más de 83 millones de suscriptores en más de 190 países, Netflix es la plataforma de televisión por Internet líder en el mundo, en la que se puede disfrutar de más de 125 millones de horas de series y películas al día, incluidos documentales, películas y series originales.

Los suscriptores de Netflix pueden ver las series y películas que quieran, cuando quieran, donde quieran, y en casi cualquier pantalla conectada a Internet. También pueden reproducir, pausar y reiniciar lo que estén viendo sin anuncios ni compromisos de permanencia.

Sobre Bambú Producciones

Bambú Producciones es una productora creada en 2007 por Ramón Campos y Teresa Fernández-Valdés para el desarrollo y producción de proyectos de ficción para televisión. Bambú se ha posicionado en mercados internacionales como una productora europea de referencia gracias a títulos como Gran Hotel, Velvet y Refugiados.

Nacida en Turín,  Italia en 1946, estudió arte e historia en Génova, para luego , en los  años 60, trasladarse a Londres. Trabajando allí en films publicitarios conoció a varios directores. Visitando el set de 2001 Odisea del Espacio conoció a Stanley Kubrick quien le dio la oportunidad de trabajar el La Naranja Mecánica en 1971.

Luego, vinieron más de 40 trabajos en cine y otros en teatro:
Carros de fuego,
El Resplandor,
El Padrino, Ocean´s eleven,
Dick Tracy,
Memorias de Africa

Además de diseños de vestuario de óperas entre ellas, Tosca de Puccini, en el Metropolitan Opera.

En 1986 Se transformó en la diseñadora de vestuario para la serie de Tv Miami Vice, creando con los trajes de Sonny Crockett una iconografía que marco un estilo con sus trajes blancos sobre camisetas.

En el 2006 ganó otro Oscar ( El 1º fue por Barry Lyndon y el 2º, por Carros de Fuego) por María Antonieta de Sofía Coppola donde el vestuario estuvo muy vinculado a la comida omnipresente en el set , especialmente en la gama de tonos de los Macaroons Ladurée

Pero la mejor parte fue el momento de la producción de fotos , en un editorial para Vogue de Septiembre  2006 para la historia con styling de Milena Canonero en vestidos de Alexander McQueen, Chanel, Oscar de la Renta, Balenciaga, Dior,y Rochas

Tan espectacular como deslumbrante, con lecturas actuales a pesar de usar misma escenografía, modelo, locación y vestuario que en la película recreando época, hé aquí una tormenta perfecta de 5 talentos femeninos (incluyendo a la editora de Vogue)

Otros trabajos:

En 2015 recibió otro Oscar por su trabajo en el Gran Hotel Budapest de Wes Anderson.
El vestido inspirado en una tela de Klimt
El abrigo de Edward Norton por ejemplo fue hecho en astracán, a medida por la casa Fendi,
Mientras que la campera de cuero de Willem Dafoe fue hecha por Prada.

Con otro trofeo más en su haber, seguramente no sea el último y nos seguirá sorprendiendo su arte. Como diseñadora de vestuario, su cliente es el director, pero sus obstáculos a vencer son las condicionantes del guion, la época a insertarse, el público al que se dirige, un mix que ella domina y sirve a la eficiencia y credibilidad de cada historia.

A diferencia de la otra contendiente Coleen Atwood especializada en dar vida a producciones y estilos más góticos o dark como en películas de Tim Burton, Milena tiene esa ductilidad y talento que le permiten maniobrar entre películas con elencos reducidos o multitudinarios con extras y demás que requieren esfuerzos titánicos y talento a la altura.

Con ejemplos como los pullovers de Jack Nicholson, los vestidos de las mellizas del Resplandor, los trajes de Miami Vice, o María Antonieta, tiene el poder de generar íconos con una sola pieza representativa.

http://smoda.elpais.com/moda/secretos-de-vestuario/

No son más que un puñado de almacenes repartidos por complejos industriales de Londres, Madrid, Los Angeles o Roma . Pero allí se visten las estrellas cinematográficas para salir en pantalla. En sus enormes naves, estas casas de vestuario guardan millones de prendas de época que alquilan o reproducen a medida. Desde casacas de pirata a túnicas de soldado romano, pasando por terciopelos de dama medieval. Rara vez se les reconoce su trabajo porque el mérito suele ir al diseñador de vestuario, pero juegan un papel fundamental en la industria.

El diseñador extremeño, Pepe Reyes (Zafra) es el encargado de realizar los diseños de la popular serie de TVE ‘Isabel’. Estudió Diseño y Moda en la alta Escuela de Moda Italiana y cursó estudios de Diseño teatral, cine y televisión en la Academia Velázquez 14, así como en la Escuela Oficial de Diseño de Vestuario y Atrezzo Teatral Tecnología del Espectáculo. Ha trabajado con los más grandes desde que empezó y también es dueño de una agencia de servicios de estilismo e imagen ‘Lookart’. Ha realizado innumerables trabajos en el cine, el teatro y la televisión, entre los que destacan ‘La señora’ e ‘Isabel’, ‘Hable con ella’ y ‘La mala educación’, de Pedro Almodóvar; y ‘Enloquecidas’, de Juan Luis Iborra, premio al mejor vestuario en el Festival de Málaga 2008. Actualmente, sus diseños de la serie ‘Isabel’ se exponen en el Museo del Traje de Madrid.

- Actualmente estás trabajando como estilista en la conocidísima serie de TVE ‘Isabel’, ¿qué destacarías de tu trabajo?

-De mi trabajo destaco la posibilidad de meterte en universos o etapas que desconoces por completo. El diferenciar, por ejemplo en ‘Isabel’, las diferentes cortes de cada país es apasionante.

- ¿Cómo es diseñar y trabajar un estilo de vestuario de una época tan diferente a la actual?

-Pues siempre que haces época es distinto a diseñar vestuario contemporáneo. Estudiar los patrones de ese período o intentar dar a las telas ese aire que ves en los cuadros, es bastante complicado y apasionante por igual.

- Eres el dueño de una agencia ‘Look art’, háblanos de ella.

-Lookart,formada por Natacha Fernández Gallardo y yo, es una agencia de servicios de estilismo e imagen, donde formamos a profesionales en diferentes áreas como publicidad, teatro, televisión, cine…

Empezamos poco a poco y en proyectos donde sabemos que podemos dar lo mejor de nuestros equipos. Yo creo que ya hay una verdadera identidad en nuestros trabajos y eso es fabuloso.

- ¿Cómo fueron tus inicios y qué es lo que más destacarías o con qué te quedarías de tu trayectoria profesional?

-Mis inicios fueron como ayudante del estilista Amador Casado, incluso antes de terminar Diseño y Moda. Después formé, con otros tres amigos compañeros de la Alta Escuela de Moda Italiana, donde estudié, un taller de vestuario teatral llamado ‘La lagarta’, en seguida entré en Tele 5 y allí estuve ocho años, donde conocí a Natacha y después vendría hacer cine con Sonia Grande (la figurinista de Woody Allen) y Paco Delgado (nominado al Oscar por el vestuario de ‘Los miserables’). A partir de aquí Natacha y yo creamos ‘Lookart’. He sido muy privilegiado en el trabajo.

Me quedo con todo, incluso con lo malo. Es la evolución que tenía que tener e hice un poco de todo y desde abajo. Así es como hay que empezar y seguir sin desesperar con unos objetivos claros.

 - Siempre decimos que en la moda todo vuelve, actualmente ¿cómo definirías la moda? ¿no crees que ya está todo inventado y que ahora hay demasiados estilos que son tendencia al mismo tiempo?

-Definir la moda ahora es casi tarea imposible. Gracias a las redes hay un acceso a todo tipo de tendencias, casi antes de que estén en la calle. Si Coco Chanel decía que “la Moda es algo que muere antes de nacer”, ahora no sabría expresar el recorrido o tiempo que se mantiene.

Siempre habrá algo novedoso e innovador que nos sorprenda. Los tejido tecnológicos o ecológicos es algo que antes jamás hubiéramos pensado que podría existir, sin caer en la ciencia ficción. El comercio justo va en auge y es bonito que se hagan cosas interesantes cuidando el planeta.

 - Aunque vives y trabajas en Madrid, sigues vinculado a Extremadura y a Zafra, ¿cómo ves aquí la moda? ¿cuál sería tu consejo? ¿qué falta renovar, hacer o inventar?

-Pues la verdad es que estoy un poco desinformado. Alguna vez tuve alguna charla en la Escuela de Artes Aplicadas de Mérida y también me consta que hay otra escuela de Diseño en Almendralejo y que hay una chica que se llama Noelia Diaz, diseñadora. Me gustaría tener más contacto y seguimiento pero el ritmo de mi trabajo, la mayoría de las veces, me lo impide.

Mi consejo es que no tenemos que tener ningún complejo y sería bonito indagar en todo nuestro folklore, ya que en ese vesturario hay verdaderas joyas. En nuestra tierra existen verdaderos artesanos y sería maravilloso unir la creatividad de las nuevas promesas del diseño extremeño con estos artesanos, para crear un línea muy nuestra. Hace muchos años se hizo algo así con el corcho como material en algunas colecciones de jovenes diseñadore extremeños, pero luego se dejó, supongo que no sería rentable.

- ¿Qué opinión te merecen los blogs de moda y de las blogueras de moda que se convierten en diseñadoras?

-Leo mucho blog siempre que dispongo de tiempo. Y l@s bloguer@s me parecen las nuevas celebrities (solo hay que ver el front-row de un desfile, sentados al lado de Ann Wintour). Evidentemente hay que seleccionar, no creo que todo lo que hay valga, pero es una nueva fuente de información muy interesante para profesionales y curiosos. En cuanto a que estos blogueros se hagan diseñadores de moda, me parece repetuoso, siempre y cuando sean realmente profesionales. En Estados Unidos y otras grandes cuidades europeas se fomenta, se promociona y se anima a todo aquel que tenga múltiples cualidades e inquietudes; sin embargo, en España hay una cosa muy antigua de ese dicho ‘zapatero a tus zapatos’. Me parece un error.

 - ¿A qué personaje famoso te gustaría vestir?

-Cada vez soy menos mitómano. Hemos vestido a muchos y muchas que pensábamos que iba a ser la bomba y, de repente, ocultaban la ropa y las pruebas eran una pesadilla. Otros personajes, que no te decían nada en fotos, de repente, daban un subidón y levantaban cualquier trapo.

¿Diseñar algo para la reina Sofía? Sería un buen reto. De reina a reina (me refiero a Isabel, ¿eh?)

- Y, volviendo a la serie, ¿cómo es Michelle Jenner?

-Michelle es para comértela. Maravillosa. Siempre la llamo Santa Isabel la Católica, Apostólica y Romana. Hace un trabajo admirable y se involucra de tal manera en todos los departamentos, con el ritmo tan infernal que lleva la serie, que te deja boquiabierto.

- Acutalmente, se están exponiendo los trajes y bocetos de la serie en el Museo del Traje de Madrid, ¿cómo te sientes?

-Si me dicen hace veinte años cuando empecé en este mundillo tan loco, que iba a exponer parte de mis diseños en un museo, pues me hubiera reído pensando que me tomaban el pelo. Gracias a Esperanza García, comisaria de la exposición,que además es de Almendralejo, que fue la persona que no cejó en su empeño hasta conseguir que los vestidos de ‘Isabel’ se vieran en el Museo del Traje. En general, es un homenaje a mi equipo, el mejor, y a todos esos artesanos que no aparecen nunca en los créditos de los capítulos.

Museo del Traje

El Museo del Traje ha abierto sus puertas a la exposición de los trajes más representativos de la serie de TVE ‘Isabel’. El diseñador del vestuario, Pepe Reyes, y los protagonistas de la ficción, Michelle Jenner y Rodolfo Sancho, inauguraron la exposición, que se podrá visitar hasta el 8 de diciembre.

El objetivo es doble: por un lado, poner de “relieve el proceso creativo de la figuración”, y por otro “descubrir” el trabajo artesanal que existe detrás de este tipo de trabajos, en los que colaboran desde sombrereros hasta guarnicioneros, pasando por modistas, han explicado Pepe Reyes.

“Es muy difícil conseguir el tipo de telas que utilizamos. Recurrimos a muchos proveedores distintos y en ocasiones hemos llegado a utilizar telas para cortinas o colchas, todo nos vale”, ha indicado el diseñador.

El creador de este vestuario, de la mano de Look Art, desvela a Teinteresa.es algunos de los secretos de los trajes de los Reyes de Castilla:

- ¿En qué te inspiras para hacer estos trajes de época?

Haciendo un estudio muy muy muy minucioso de lo que fue el siglo XV de los Reyes Católicos, con las diferencias de cultura que existían en ese momento: judíos, castellanos, nazarí; mucho universo, para luego desmembrar y quedarte con lo que es la esencia. De alguna manera, había que aligerar el vestuario y hacerlo apetecible y atractivo para el público en general.

- ¿Cómo es la documentación para crear todos los complementos de la época?

Muchísimo libro y muchísimo museo. Toda la gente que ha colaborado con nosotros nos ha abierto las puertas de todo lo que tienen: en el Museo Lázaro Galdiano, el Museo del Traje, en Granada la catedral,… Siempre hemos tenido acceso a todo aunque nunca acabas. Siempre hay algún escrito que te pueden mandar los documentalistas y yo creo que nunca acaba la labor de documentación y de investigación.

- ¿Cómo hacer que los actores y actrices se sientan cómodos con los trajes?

Incómodos van. Llevar unos vaqueros es muy diferente a llevar trajes con esta pesadez. Pero luego estos trajes les ayudan, su forma les hace sentarse erguidos y actuar de otra manera, caminar también cambia. Es muy positivo para ellos.

- ¿Cuántos vestidos tiene la reina solo para ella?

Yo creo que ni los he contado. He conformado tantos otros,… Además de los dobles que luego se necesitan porque se manchen o porque haya una secuencia en la que hay sangre. Pero yo calculo que hasta la tercera temporada unos 80. Fernando, en cambio, tiene menos. Los chicos repiten más. Luego hay muchos complementos de batalla, pero para Fernando son más o menos la mitad.

- ¿Hay algún traje que tenga como favorito?

El de proclamación de Isabel porque fue el que abrió la primera temporada en el primer capítulo y también el que la cerraba. Cuando se proclama ya se quita el manto negro que se pone cuando muere Enrique IV, su hermanastro, y aparece con ese luto blanco, que tiene mucho de inspiración de las vírgenes y mucha mezcla. Fue algo muy libre y le tengo mucho cariño.

- Con la crisis, ¿se cuidan menos los detalles de los trajes o se siguen elaborando de la misma forma?

No, no se elabora de la misma forma. Se tiene que rehacer, reciclar y volver a teñir. No, en absoluto. Se nota muchísimo aunque en estos momentos hay que tener la creatividad para poder hacer un presupuesto menor e intentar hacer unos trajes importantes con ello.

- ¿Es más difícil crear vestidos para los chicos o para las chicas?

Yo creo que para los chicos en esta época. Hay mucha piel que manipular, mucha ropa que es de batalla. Es complicado, las estructuras en las mujeres eran muy diferentes y darles ese aire y que la actriz este cómoda, también es otra labor añadida.

- Has trabajado con el vestuario de series como ‘La Señora’ o ‘Tierra de Lobos’. ¿Cómo es adaptarse a cada época y en cual te ha gustado más trabajar?

Todas tienen su parte atractiva aunque también se sufre mucho por los tiempos y por los presupuestos que son muy distintos a los americanos o los ingleses.

A la serie de ‘La Señora’ la tengo mucho cariño porque fue la primera que hice con la productora Diagonal, y los años 20 siempre son muy apetecibles. Su documentación es mucho más accesible y puedes obtener hoy en día piezas originales de la época.

‘Isabel’ es un reto mucho mayor, asi que con el tiempo, viéndolo con objetividad, me imagino que será este el trabajo que más me ha marcado.

La protagonista de ‘El tiempo entre costuras’ revitaliza esta prenda

Fue Paul Poiret quien la popularizó en el vestuario femenino en el siglo XX

Regresa periódicamente a las pasarelas y las más ‘fashionistas’ la usan

Adriana Ugarte, como Sira Quiroga, turbante de Mimoki y Gloria Swanson, retratada por Steichen.

Mundana y sofisticada. Así era la mujer que en los años 30 utilizaba turbante. Gloria Swanson (‘steichenizada’ con turbante y tras un exquisito encaje), Wallis Simpson, Peggy Guggenheim… No es de extrañar que los responsables del cuidadísimo vestuario de ‘El tiempo entre costuras’ -que hoy llega a su fin- hayan echado mano de estos tocados para convertir a la costurerita Sira Quiroga en la exótica espía Aris Agoriuq.

Las elegantes de verdad son aquellas que descubren la moda, que se atreven

Paul Poiret

En realidad, en su origen era una prenda masculina, vestida por musulmanes y sijs. De hecho, se cree que la palabra procede del persa ‘dolband’ o ‘dulband’, un derivado de ‘dulu band’, banda plegada.

Esta procedencia oriental (en occidente no comenzaron a utilizarse hasta finales del siglo XVII) casaba a la perfección con las fantasías exóticas de Paul Poiret.

A comienzos del siglo XX, empezó a combinar estos tocados con sus túnicas y pantalones turcos, todos hechos ricamente decorados y de ricos tejidos. El turbante se ponía de moda… entre las más osadas. No en vano, Poiret ‘Le Magnifique’ detestaba a las mujeres “cortadas por el mismo patrón”. “Las elegantes de verdad son aquellas que descubren la moda, que se atreven, que crean, no las que siguen”, dijo a la revista Vogue en 1909.

Diseño de Tsumori Chisato.

Entre 1910 y 1920, el turbante -con esa misma forma puntiaguda con el que lo conocemos- se convirtió en un tocado popular. En los 30, se vistió del glamour hollywoodiense: Marlene Dietrich, Joan Crawford, Greta Garbo, la Swanson, Carole Lombard… No hay estrella de la época que no posase para los estudios ataviada de esa maravillosa guisa.

Este tocado volvió con fuerza en los 60 (era una prenda fetiche de Nina Simone) y en los 80 y, desde que en 2006 Miuccia Prada los subió a las pasarelas, vuelven periódicamente a alguna colección. Este mismo invierno, las colecciones de Tsumori Chisato y María Barros tocaban a sus modelos con turbantes.

Con todo, el tocado sigue siendo reservado a las más osadas.Estrellas de cine, reinas, blogueras y demás ‘fashionistas’ suelen atreverse. No es una prenda fácil (y eso que han dejado de ser una larga pieza de tela enrollada a la cabeza, para convertirse en ‘casquetes’ ya construidos, drapeado incluido), pero otorga a quien lo lleva el barniz de glamour y exotismo que le dio Poiret.

El turbante era la mítica prenda de las divas de Hollywood de los años 50. Audrey Hepburn o Grace Kelly vestían sus cabezas con esta elegante prenda aportando ese toque de personalidad que hoy pasa el testigo a Adriana Ugarte. El uso del turbante es tan versátil que sirve a partes iguales para el día a día o para ir a la playa como para lucir de lo más glamourosa por la noche, en una boda o una recepción.

Los diseñadores y firmas nacionales nunca se habían visto tan reflejados en nuestras películas. Este verano, cuatro rodajes los han convertido en protagonistas de sus historias.

Para Givenchy, el vestido cóctel que lució Audrey Hepburn en la escena inicial deDesayuno con diamantes marcó un antes y un después en su carrera. Corría la década de los 60 y la comunión entre cine y moda vivía una época dorada en Hollywood. En España, esta unión rara vez ha ido más allá de la mera anécdota: desde el diseño que Balenciaga creó para Rocío Dúrcal en Rocío de la Mancha a las distintas colaboraciones que Almodóvar ha entablado con Chanel, Gaultier o David Delfín en Los amantes pasajeros, no parece que ambos universos hayan sabido (o necesitado) cruzar sus caminos en busca de una sinergia exitosa. Hasta este verano. Varias películas y diseñadores nacionales se han puesto de acuerdo para unir fuerzas y, a lo largo de 2015, la gran pantalla se convertirá en una enorme pasarela patria bajo un guion establecido. ¿Se abre una nueva vía de promoción de la moda española?

SÓLO QUÍMICA

Teresa Helbig, Ángel Schlesser, The 2nd Skin y Jorge Vázquez son algunos de los nombres que acudieron a la llamada de la estilista Ana Osorio

En Solo química, Ana Fernández interpreta a una joven fan que, tras conocer a una estrella de la televisión, se convierte en el último fenómeno castizo de los photocalls. «Ella pasa de tener tres pares de zapatillas a media colección de zapatos de Úrsula Mascaró», explica la actriz. Alejo Sauras notó el peso de la moda en el guion nada más leerlo: «La protagonista transmite a dos mujeres distintas solo jugando con su imagen».

El director de la película, Alfonso Albacete, contó con la estilista Ana Osorio para recopilar parte de los 97 cambios de vestuario de la actriz: «Quería usar moda española y que entrara la mayor cantidad de firmas posibles. Aunque hubo diseñadores a los que les costó, porque un rodaje de cine implica que la ropa esté fuera de los talleres mucho tiempo. Así que en algunos casos tiramos de temporadas anteriores», añade Osorio.

Destaca la apuesta de los creadores al hacer cesiones y no contrataciones, adaptándose a las tallas exigidas. Jorge Vázquez, por ejemplo, nunca se había planteado una colaboración así. «Lo ideal es realizar un diseño integral de vestuario, como en el cine americano clásico. Pero entiendo que es más viable tirar de variedad», apunta. Antonio Burillo y Juan Carlos Fernández, creadores de The 2nd Skin, esperan que su trabajo luzca más que el vestido que le cedieron a Woody Allen para Conocerás al hombre de tus sueños. «Acabó difuminado en la escena de una fiesta…», se lamentan. Con un porcentaje de ventas en el extranjero cercano al 90%, han incluido esta colaboración en sus objetivos internacionales de promoción, que arrancó hace cuatro meses cuando Jennifer Lopez eligió uno de sus diseños para la gala de American Idol. «En el ámbito mediático fue bestial, pero no se notó tanto en el ascenso de las ventas».

Carlos Diez (a la izda., con total look de Ana Locking) ha dirigido el vestuario de ma ma con firmas como Mirto o Ana Locking (a la dcha.).

Foto: Ximena Garrigues y Sergio Moya

MA MA

Tras colaborar con Julio Medem en ‘Habitación en Roma’, Carlos Diez cumple un sueño al dirigir el vestuario de Penélope Cruz, entre otros

Ni glamour, ni lujo, ni vestidos de noche. «Como la relación con la moda no existe en la película, he usado otros códigos, yendo a lo cotidiano. Ha sido toda una experiencia», destaca el diseñador, que solo recibió de Medem algunas pautas sobre los colores que no quería y varias pistas para imaginar la atmósfera de un vestuario en el que han participado Loewe, Adolfo Domínguez, Armand Bassi, Amaya Arzuaga, Ana Locking (aficionada a hacer guiños al cine en sus colecciones) o Mirto (sus camisas y pijamas están en muchas películas y series españolas), entre otros.

«Penélope tiene unos 60 cambios de vestuario, Luis Tosar más de 40 y Asier Etxeandia casi 30», recuenta Carlos, que tiene claro que en la relación entre cine y moda ambos mundos se enriquecen. Él no ha utilizado diseños propios; quería «sacrificar» esa faceta suya por la de director de vestuario. Y Asier describe muy bien en qué ha consistido el éxito de su trabajo: «Su nivel de implicación ha sido máximo. Para él lo primero es que el actor se sienta seguro. Que la ropa esté, pero que nunca llegue a molestar».

Compartir el rodaje con Asier, Penélope Cruz y Luis Tosar ha sido un premio. «Verlos actuar en esta película es un espectáculo de fuegos artificiales. Te vas a casa orgulloso de haber formado parte de algo así. Penélope me llegó a decir que quería sentir el vestuario desde los pies, aunque le dolieran, porque si ocurría eso sería por algo. Se me han caído las lágrimas viéndola en acción. Es algo que no podré olvidar», asegura Carlos Diez.

Cristina Rodríguez (izda., con vestido de Harbort) viste a Úrsula Corberó y Natalia de Molina (con total look de Kling y joyas de Mava Haze) en Cómo sobrevivir a una despedida.

Foto: Ximena Garrigues y Sergio Moya

REQUISITOS PARA SER UNA PERSONA NORMAL

La devoción de Leticia Dolera por Dolores Promesas le ha llevado a pedirles el vestuario de su primera película como directora

«Me gusta cómo la firma sabe sacarle partido a la mujer dándole un toque naíf, juguetón y divertido», cuenta la actriz. Esas son también las señas de identidad de María, el personaje que interpreta en su primera película como directora y guionista, Requisitos para ser una persona normal. «Me pareció muy interesante ese plus que se podía dar al personaje a través de su ropa», explica Dolera, que no dudó en convocar a Alicia Hernández y Myriam Pintado, diseñadoras de la firma, para plantearles la historia de una chica que decide cumplir una a una todas las condiciones para poder convertirse en una persona ‘normal’.

Entre las tres definieron al personaje, cuyos estilismos en la cinta la convierten en una perfecta frikichic gracias a su colorido y al uso, por ejemplo, de piñas, langostas o robots en los estampados de sus vestidos. «Para algunas escenas hemos rescatado modelos icónicos de la marca», cuenta Alicia, que insiste en que este tipo de colaboraciones deberían ser más usuales. «Los actores piden apoyo, pero, ¿por qué luego llegan los Goya y la alfombra roja se llena de diseñadores extranjeros? Leticia es de las pocas cuyas primeras opciones siempre son nacionales; eso da coherencia a sus peticiones». La actriz lamenta que no exista más tradición de trabajo en común: «Pero los tiempos cambian. De hecho, en este reportaje participamos cuatro películas rodadas prácticamente a la vez que presumimos de usar moda española. Quizá es que ha llegado el momento».

En Requisitos para ser una persona normal Leticia Dolera ha vuelto a apostar por Dolores Promesas.

Foto: Ximena Garrigues y Sergio Moya

CÓMO SOBREVIVIR A UNA DESPEDIDA

Dos veces candidata al Goya, la estilista Cristina rodríguez recrea una despedida de soltera con firmas españolas jóvenes

Tiene más de 60 películas en su trayectoria y la diseñadora de vestuario Cristina Rodríguez sigue prefiriendo recurrir a diseños ya existentes antes que solicitar nuevas creaciones. Así tiene mayor control sobre su trabajo. «Si Almodóvar encarga el vestuario de Victoria Abril en Kika a Gaultier, evidentemente luego se tiene que trabajar en función de lo que llega de su taller», dice. Ese problema no lo ha tenido en Cómo sobrevivir a una despedida, cinta sobre un adiós a la soltería en la que han participado firmas como Kling, Hakei, Hunter, Jarapa Jarapa o las joyas de Mava Haze.

«Nuestra marca basa su filosofía en lo original y alternativo», explica Papo Kling, director de la firma. Y ahí estaban Natalia de Molina y Úrsula Corberó para corroborarlo. «Los actores sentíamos que la ropa era justo la que le encajaba a nuestro personaje», dice Natalia. «Cristina insistía en que no quería ponernos nada con lo que no nos viéramos», añade Úrsula.

Rodríguez asegura que la crisis puede ayudar a fomentar las colaboraciones con firmas. «Hay menos presupuesto, así que toca remangarse y colaborar. Pero el cine perdura en el tiempo. Mira Givenchy en Desayuno con diamantes. ¿Qué le ha dado más, ese momento o todas las campañas que han hecho después? Hay que apostar».

AÑOS 50

Con la seguridad que dan al caminar los tacones de más de seis centímetros, entra en escena doña Gloria (Natalia Millán). «Nosotras no estamos acostumbradas a llevar este tipo de calzado. Descubres rápido que, para andar de forma correcta, lo importante es pensar en la espalda, no en el zapato», confiesa la actriz.

En la época, las desigualdades entre clases se manifestaban también en los accesorios, de ahí su importancia. «La obrera usaba sombreros solo en las celebraciones, mientras que la alta lo hacía a diario», indica Lorena Delgado, experta del Museo del Traje.

Los guantes también. «Las mujeres siempre llevaban un par», dice Manuela Velasco, quien ha preparado la forma de comportarse de su personaje a partir del libro sobre Audrey Hepburn, Audrey in Rome, de Luca Dotti.

«Incluso los ademanes de estas mujeres eran diferentes. Sujetaban los complementos con las manos ligeramente hacia fuera, dejaban un guante suspendido… En la actualidad, asociamos este comportamiento con el glamour, pero antes era lo normal», continúa. S Moda lo comprobó in situ, cuando Miriam Giovanelli posaba para la foto con un bolso colgando de un brazo en jarra y, desde el departamento de vestuario, corrigieron su postura: «Cuidado, así no se cogía en la época».

Mis amigos y yo vamos a rodar un documental sobre la importancia del vestuario para la película. Esta misma película se centrará en el patrimonio cinematográfico italiano.Hablaremos con Piero Tosi, un antiguo colaborador de Luchino Visconti. También tenemos planes para hablar con Frida Giannini de Gucci y Dolce & Gabbana. Nuestro equipo creativo le gustaría contar la historia de los estudios de disfraces romanos únicos que mantienen a miles de trajes para las películas de todas las épocas. Aquí hay un enlace de recaudación de fondos para este proyecto:http://www.kickstarter.com/projects/1302567111/why-costumes-matter-for-cinema-a-documentary

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