Tras el éxito de su primera temporada, Movistar+ apostó por mostrar al espectador cómo transcurría Sevilla en el siglo XVI tras la epidemia. La trama gira en torno a La Garduña, el hampa sevillana, cuyos miembros llevan tatuados tres puntos en la mano.

“Cuando comencé el proyecto tuvimos que investigar mucho. Era muy importante plasmar en los personajes los volúmenes y los acontecimientos que se estaban viviendo en Sevilla”, nos comenta Fernando García, figurinista de la primera y de la segunda temporada de La Peste.

Luto y pobreza. En eso se basó el vestuario de La Peste. Sin embargo, esa oscuridad se convirtió en color en la segunda temporada. “Ha sido un trabajo mucho más enriquecedor y más placentero”, asegura García hablando de la experiencia en esta gran producción de Alberto Rodríguez y Rafael Cobos.

El figurinista diseñó el vestuario para 2000 figurantes y 80 actores. Para ello contó con diferentescasas de vestuario, “el 80% de Peris Costumes. Nuestra casa madre”.

“Siempre busqué un punto real. Me ayudó mucho el gran stock de Peris y su logística a la hora de confeccionar. María Gonzaga es estupenda”.

Durante este proyecto, Fernando ha estado acompañado de un equipo de 30 profesionales. Dos de sus pilares, Anita en logística y Lourdes, su ayudante principal. “Mis extensiones”.

Una de las piezas más características de La Peste 2 es la chaqueta que luce Mateo durante La Garduña. La pieza fue fabricada con piel vuelta y totalmente a mano por nuestros guarnicioneros Fernando y Estrella.

Las dimensiones de la serie se aprecian cuando se visita su rodaje, en los alrededores de Sevilla. Fuera de Series tuvo la oportunidad de hacerlo a finales del año pasado, viendo de primera mano cómo se puede recrear el siglo XVI entre dos almacenes de un polígono industrial a las afueras de la capital sevillana y un monasterio en Utrera que, a principios del siglo XX, funcionó en parte como fábrica de jabones y aceitera de orujo (y que, por cierto, está a la venta por unos cinco millones de euros).

La labor de recreación es muy importante y muy extensa porque en la Sevilla actual apenas quedan restos de casas y calles del Siglo de Oro, y porque es un aspecto fundamental para lograr la inmersión en la época que pretenden sus creadores, Alberto Rodríguez y Rafael Cobos. El primero explica que “la idea de la primera era hagamos un viaje en el tiempo, y creo que lo fue desde el principio. Ésta tiene eso, pero creo que, además, pasan muchas cosas”.

De hecho, los responsables de vestuario afirman que la ambientación histórica es, quizás, hasta más importante en la segunda temporada que en la primera, sobre todo porque La peste ya no va a ser la serie oscura del principio, sino que se va a mostrar más luminosa y aventurera.

Fernando García López, figurinista, y Lourdes Fuentes, jefa de vestuario, ofrecen un tour por la nave en la que se almacenan más de 1.500 trajes. En ese departamento de la serie ha trabajado una treintena de personas que se encargan de ambientar las piezas, retocarlas si hace falta y, si las prendas forman parte del 80% que se ha alquilado a casas como Cornejo o Peris, se lavan y se dejan igual que cuando las recibieron para devolverlas. Ese equipo viste a 80 actores, de los que quince son protagonistas a los que el vestuario se les hace a medida.

La evolución en el tono de la temporada se aprecia más en los trajes de Teresa de Pinelo, la pintora, que pasa a vestir más color que el resto de mujeres nobles de La peste. En las fotos promocionales ya se ve un traje naranja y en la nave de vestuario había otro de un intenso verde.

En que todas las piezas, incluidos joyas y tocados, sean históricamente rigurosos se confía en el asesor histórico de la serie, Pedro Álvarez, pero a veces no es fácil encontrar documentos o imágenes que ayuden a los técnicos a, por ejemplo, construir una carroza noble. En las tres naves que ocupa el departamento de arte, supervisado por Pepe Domínguez, se pueden ver algunas de esas carrozas, barcas y hasta un caballo de mentira muerto. Hay pasillos enteros de muebles, lámparas y figuras de santos y vírgenes, y hasta un taller propio en el que fabrican de cero, por ejemplo, tejas de poliestileno y tienen una máquina que talla “madera” como si fuera el trabajo de un artesano real.

No es una errata que pongamos madera entre comillas, ya que se utilizan materiales más ligeros que facilitan el transporte de las piezas al set de rodaje. El hierro, por ejemplo, se simula con espuma flexible de poliuretano. El trayecto desde los almacenes hasta el monasterio de Nuestra Señora de la Encarnación, en Utrera, donde estaba ubicado el decorado principal no es largo, pero la logística de transporte es complicada porque las piezas suelen ser muy voluminosas.

La calle “multiusos”

En realidad, la parte del monasterio que La peste ha “tomado” es una calle entre la antigua fábrica de jabones y la de aceite de orujo. Dicha calle está totalmente ambientada; en una pared se ha construido un porche y la de enfrente está pintada de rojo. Además, el equipo de producción dispone de dos módulos móviles que les permiten cambiar la configuración de la calle de una noble a otra situada en un barrio pobre.

El departamento de arte tarda dos semanas y media en preparar la zona para el rodaje; el suelo está totalmente embarrado y en los arcos de los soportales hay puestos de libros y hasta un figurante que lleva en hombros una cabra muerta. Cuando la prensa visitó el set, se estaba rodando una escena bastante sencilla en la que Mateo (Pablo Molinero) y uno de los nuevos personajes, interpretado por Federico Aguado, paseaban por la calle hasta encontrarse con algo muy concreto. Esta vez, La peste recupera su historia cinco años después del final de la primera, con un Mateo que ha regresado cambiado de América y una mafia local, La Garduña, como nuevos antagonistas.

“Hay un poco más de presupuesto, pero no mucho. El presupuesto hacía falta para sacar adelante la serie como había que hacerla”, explica Alberto Rodríguez, que añade que “lo que yo creo que ha aumentado en esta segunda parte es la peripecia, la aventura. Es casi más una película de cine de aventuras, con una parte de cine negro de gangsters, de hampones, de policías, más que otra cosa. Tiene un poco de todo. Tiene un poco que ver con lo decíamos de la primera, que era un fresco del XVI. Ésta amplía el lienzo, o es un segundo cuadro de lo mismo”.

En los últimos meses de este año, probablemente, descubriremos si La peste se ha convertido más en Los intocables de Eliot Ness, como afirma Rafael Cobos.

¿Cómo empezaste a trabajar en el cine y a vincularte al departamento de vestuario?

Pues puedo decir que fue gracias a Fernando García. Yo estudié Diseño de Moda y Patronaje, y allí coincidí con Fernando y nos hicimos muy amigos. Al terminar en esa escuela, monté un taller y una marca de ropa con unas compañeras. Fernando trabajaba con su hermano, Antonio García, pero le surgió la oportunidad de probar en el mundo del cine y fue él quien me llamó. Y no lo dudé, dejé mi tienda y me metí con él en este mundo. Eso sería en el año 2000 o por ahí. Fernando es como mi marido profesional, nos une una amistad de toda la vida y hemos formado un tándem bastante curioso, nos complementamos muy bien.

Tu primer proyecto como directora de vestuario (Villaviciosa de al Lado) lo has asumido bastante después, en 2016.

Sí, fue muy importante que Alberto Rodríguez apostara por Fernando y detrás de él siempre he ido yo. Siempre hemos estado enfrascados en proyectos interesantes los dos juntos. Y, ¿como decirlo?, yo no soy una persona ambiciosa, estoy muy contenta con los proyectos que he hecho y cuando ha surgido la ocasión con el tiempo de asumir otros proyectos por mi cuenta también lo he hecho de forma natural.

En ese sentido, ¿tu manera de trabajar ha sido muy diferente en los proyectos que has asumido como directora a la de los otros en los que has participado como ayudante?

Pues la verdad es que no. Obviamente, como directora hay una responsabilidad mayor, eres el referente del equipo. Pero la verdad es que mi proceso de trabajo ha sido muy parecido en todos los trabajos. Cuando he trabajado como ayudante de Fernando, siempre me he incorporado con él desde el minuto uno a los proyectos y hemos trabajado codo con codo.

 ¿Y cómo le resumirías el proceso de trabajo en el departamento de vestuario para alguien que no lo conozca?

Cuando te proponen un proyecto y te mandan el guión, lo primero es desglosarlo e ir viendo cómo va a ser el vestuario de los personajes. En esa fase ya nos documentamos mucho. A mí me encanta el cine y buscamos muchas referencias de otras películas, por ejemplo. Ya con la propuesta de vestuario vamos a negociar con el director de producción, que para mí es la figura más importante de un rodaje, para ver de qué presupuesto vamos a disponer.
Y, claro, también es fundamental hablar con el director para ver si la idea de vestuario que tenemos de los personajes coincide con la que pueda tener él. En todo este proceso, hay muchísima psicología. Tenemos que llegar a un acuerdo entre lo que nosotros pensamos y lo que piensa el director.

 ¿Con qué otros departamentos es importante que esté coordinado el departamento de vestuario?

Para mí, vestuario no es absolutamente nada sin maquillaje y peluquería. Es un tándem que debe ir siempre de la mano. Y cuando hay un buen entendimiento entre esos dos departamentos las cosas salen redondas. El look debe ser total: una peluca mal puesta o un rabillo del ojo demasiado acentuado te pueden sacar del personaje. Y un complemento mal elegido también. Hay que crear un estilismo completo en el que todo se compenetre.
Y por otro lado está por supuesto el departamento de arte. Todo debe ir acorde con el personaje. Pero desgraciadamente muchas veces es muy difícil coordinarse con el departamento de arte, van siempre muy ajustados de tiempo. Yo he tenido la suerte de coincidir en muchos proyectos con amigos que se dedican a la dirección artística, como Pepe Domínguez del Olmo o Vanesa de la Haza, y al tener mucha complicidad con ellos hemos podido hablar más, intercambiar ideas, enseñarnos bocetos… Pero ya te digo, es siempre difícil por una cuestión de tiempo.

Lourdes Fuentes junto al actor Joaquín Núñez, en el rodaje del corto ‘Propiedad privada (Se vende)’, de Carmen Quijada

 Te has encargado de vestir géneros, épocas y propuestas estéticas muy diferentes. ¿En cuáles te sientes más a gusto?

Cuando empecé a trabajar en esto, siempre tenía muchas ganas de hacer cine de época. Nos parecía lo más complicado y lo más lucido. Suelen ser además las películas en las que se valora más el vestuario y que cuentan con más presupuesto y un departamento de vestuario más grande. A mí realmente, creo que la época se me da bastante bien. E incluso podría decir que me resulta más cómodo. En España hay unas empresas muy potentes de alquiler de vestuario para cine, que tienen unas naves enormes atestadas de ropas de todos los sitios  y de todas las épocas.
El vestuario de una película actual creo que en el fondo es más complicado. Por ejemplo, en Siete vírgenes, nos costó muchísimo encontrar una camiseta para el protagonista que nos convenciera, que fuera realmente con ese personaje. Ocurre además que cuando durante un tiempo estoy haciendo vestuario de época, al pasar a hacer algo ambientado en la actualidad me da como pereza. Pero he hecho vestuarios de todo tipo y me gusta hacer de todo.

 La ambientación de la ropa es una parte fundamental de la caracterización de los personajes y también se soluciona en el departamento de vestuario, ¿no?

Así, es. La ambientación te da la verdad. Después de la experiencia de haber trabajado en La peste, mi vida ya no se concibe sin la ambientación. Es fundamental, te da realismo. En la última película que he hecho, por ejemplo, Adiós, hay muchísima acción y los personajes son muy callejeros, muy trabajados. He podido contar con un ambientador, Jesús Romero, con el que ya había coincidido en La Peste y la verdad es que la ambientación hace muchísimo.

 ¿De qué proyecto te sientes especialmente satisfecha?

Estoy muy orgullosa de todos, la verdad. Hay guiones que te apasionan. Recibir un guion de Rafael Cobos, por ejemplo, es un disfrute. Hay otros proyectos que no me han interesado tanto pero que también los he afrontado  como trabajo, en positivo. Si me tuviera que quedar con una película creo que sería con Yo, también (Antonio Naharro y Álvaro Pastor, 2009). Fue una película muy sencilla, muy pequeñita, con un presupuesto muy bajito. Pero fue tan emocionante, lloramos tanto en esa película… Allí lloró hasta el jefe de eléctricos.
Y La isla mínima también fue muy especial, porque nos dio muchísimas alegrías. Le dieron el Goya a Fernando García y yo estaba allí, con él. Fue uno de los mejores días de mi vida. Fue una película tan dura, hecha con tanto esfuerzo, con un equipo tan entregado, que luego los Goyas nos dieron un subidón tremendo. Hubo una camaradería impresionante. Y estaba todo el equipo nominado, vivimos una euforia colectiva.

 ¿Y qué es lo más difícil que has tenido que preparar para el vestuario de una película o una serie?

Lo primero que se me viene a la cabeza en ese sentido es la figuración de La peste. Buscaron muchas personas amputadas o con malformaciones, porque en el siglo XVI había muchas personas con esas características que vivían en la marginalidad. Reflejar ese mundo fue un reto bastante complicado. Y al mismo tiempo fue muy satisfactorio, me encontré con un montón de gente sin complejos, con una valentía increíble. Recuerdo especialmente a una chica a la que le faltaba un brazo. La vestí de mendiga y ese look me encantó. Esos personajes oscuros de La peste, en los que también intervenía mucho el equipo de maquillaje, fueron una creación muy gratificante.

¿Y has tenido que alejarte alguna vez mucho de un registro realista para hacer algo raro? ¿Marcianos o zombies o algo así?

De momento, marcianos no he hecho [risas]. Pero sí he hecho astronautas. En un teaser para un proyecto, tuvimos que crear un astronauta y la verdad es que quedó impresionante. El traje de astronauta fue un sufrimiento brutal pero al final lo conseguí. Y zombies tampoco he hecho, pero muertos o medio muertos he hecho muchísimos, eso sí.

 ¿En qué película de la historia del cine te hubiese gustado encargarte del vestuario?

Es tan complicado quedarse con una sola. No sé, por ejemplo, David Lynch hace un tipo de cine que me parece fantástico y me hubiese encantado hacer el vestuario de Dune. O de alguna otra película de Lars von Trier o de Peter Greenaway. De El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante, que tiene un vestuario increíble que hizo Jean Paul Gaultier.

Y además de eso yo soy una chica muy romántica. Me encanta Stendhal, me encanta Jane Eyre. Así que una película por ejemplo como Las amistades peligrosas, ambientada en el siglo XVIII, me hubiese encantado. Y más con esos presupuestos que se manejan. Pero también Superman o Fiebre del sábado noche por decir otras dos muy distintas.

 ¿Y a qué actores o actrices te gustaría vestir?

Tengo uno que me vuelve loca: Mads Mikkelsen, por decirte uno extranjero. Y españoles hay muchos a los que admiro y con los que me gustaría trabajar. Y he tenido la suerte de trabajar también con muchos otros que me encantan: Lola Dueñas, Eduard Fernández, Antonio de la Torre…

 ¿Qué le contarías a alguien que quiera dedicarse al vestuario de cine?

Una pauta lógica es que yo le doy muchísima importancia a mi trabajo. Necesitas prepararte, documentarte, leer mucho, ver muchísimo cine…  Hay muchos figurinistas que no saben coser pero todo eso complementa. Conocer cómo es un tejido, cómo funciona, cómo se lava, cómo respira en una pantalla… Todo eso es una formación que se va creando capa a capa con el tiempo. Y todo sirve. Aunque tú no tengas que coser, debes saber cómo está construida una prenda. Estudiar diseño está muy bien pero hay que complementar con todo eso.
Y a la gente que estudia en las escuelas de diseño y patronaje me gustaría enseñarles que hay muchas cosas que se pueden hacer más allá de la moda. Esta del vestuario para cine, para televisión o para teatro es una salida muy bonita y con muchas posibilidades. Y no todo el mundo tiene que llegar a ser figurinista, no se trata de eso, pero dentro del equipo de vestuario hay muchísimos cargos: la ambientación, como hablábamos antes, o la sastrería de rodaje son ocupaciones fundamentales. Y muchas más. Es un mundo que puede dar muchísimas satisfacciones.

http://www.davidestrada.org/index.php/historia/14-la-otra-historia/495-el-vestido-rosa-de-jackie-kennedy

En noviembre de 1963 la televisión era en blanco y negro. Y los periódicos se editaban a una tinta. Por esa razón, tuvieron que pasar varios meses para que se supiera que era de color rosa el vestido CHANEL que JACKIE KENNEDY llevaba puesto el fatal viernes 22 de noviembre en DALLAS, cuando fue asesinado su esposo, el presidente JOHN F. KENNEDY. Un vestido color rosa pálido que en su parte inferior, a la altura de las rodillas, la primera dama lució en cientos fotografías y películas, con varias manchas oscuras que -eso sí se sabía- eran la sangre coagulada del primer presidente católico de los ESTADOS UNIDOS.

Aquél vestido, que por primera vez se mostró a todo color en la página 8 de la edición norteamericana de la revista LIFE del mes de octubre de 1964, con el paso del tiempo se convirtió en el símbolo de una tragedia. En el sinónimo de la orfandad y la pérdida de la inocencia para toda una nación.

Primero en el hospital PARKLAND de DALLAS, y después en el avión presidencial AIR FORCE ONE que condujo el cadáver del presidente KENNEDY de regreso a la ciudad de WASHINGTON, su secretaria, MARY GALLAHER, le sugirió a la primera dama que se cambiara de vestimenta, ya que se encontraba grotescamente manchada de sangre, al igual que las medias. “¡No! –respondió JACKIE en ambas ocasiones. Quiero que todo el mundo vea lo que le han hecho a JACK”.

Y con esta ropa manchada, millones de televidentes en todo el mundo vieron a la afligida viuda descender del avión presidencial, tomada de la mano de su cuñado BOBBY, justo detrás el ataúd de su marido cuando partía rumbo al hospital naval de BETHESDA, lugar donde se le realizó al cadáver una larga y controvertida autopsia.

Horas más tarde, en la CASA BLANCA, alrededor de las 5 de la madrugada, JACQUELINE por fin se quitó el vestido, una vez que se instaló la capilla ardiente en la SALA ESTE.

LA HISTORIA DE UN VESTIDO.

Aquél famoso conjunto de lana rosada de Jackie, con incrustaciones de piel en las solapas y los bolsillos, y un inconfundible sombrero tipo casco del mismo color, contrario a lo que se pensó en mucho tiempo, no fue creado por la CASA CHANEL, sino se trataba de una ‘reproducción’ de alta calidad y con materiales originales franceses, realizada en 1961 por el diseñador norteamericano CHEZ NINON.

Cuando los KENNEDY llegaron a la CASA BLANCA, en una señal de curioso patriotismo, JACKIE fue persuadida por su suegro, el ex embajador JOSEPH KENNEDY, a renunciar a las firmas francesas en su vestimenta, y utilizar solo diseñadores estadounidenses. De ahí la elección de NINON que, para los que sabían, en realidad era un maquilador de altos vuelos de CHANEL, que lo proveía de diseños, telas y hasta botones para sus creaciones.

El traje rosa fue entregado a la primera dama en el segundo semestre de 1961. Tuvo un costo de 950 dólares. Y, para sorpresa de muchos, ya había sido utilizado por JACKIE al menos unas ocho ocasiones antes del crimen de DALLAS: para asistir a un servicio religioso en la iglesia ST. STEPHEN MARTY, en WASHINGTON, el 12 de noviembre de 1961; cuando desayunó con la reina ISABEL II en LONDRES, en marzo de 1962; en la presentación del proyecto de la PLAZA LAFFAYETE, el 26 de septiembre de 1962; y en la recepción al MAHARAJA de JAIPUR, el 24 de octubre del mimo año. También existen registros fotográficos de JACKIE y el icónico vestido, en la casa londinense de su hermana, la princesa LEE RADZIWILL, el 27 de marzo de 1962.

Al presidente KENNEDY -¡vaya ironía!-, le gustaba este conjunto de una manera particular. De modo que los días previos al viaje a DALLAS, según posterior testimonio de la secretaria EVELY LINCOLN, le sugirió a su esposa que lo incluyera en su guardarropa, “para demostrar a los tejanos lo que es el buen gusto en realidad”.

¿Qué fue de aquél vestido? Existen dos versiones.

La primera de ellas, referente al intento que un día hizo JACKIE para borrar todo vestigio de la tragedia, lavando desesperadamente la prenda hasta que le fue arrancada de sus sangrantes manos para ser refundida en un lugar al que nunca más tuvo acceso.

Y la segunda, que en la actualidad la prenda se encuentra -se ignora si intacta o lavada por la señora KENNEDY-, en el interior de una gran caja de cartón, en los ARCHIVOS NACIONALES.

Cuando JACQUELINE KENNEDY finalmente quitó su traje sastre en la CASA BLANCA, la madrugada del sábado 23 de noviembre, una empleada del servicio lo dobló y colocó en una caja.

Algunos días después del asesinato, esta caja fue enviada a la madre de JACKIE, JANET LEE AUCHINCLOSS, quien escribió la frase “22 de noviembre de 1963″ en la parte superior y la guardó en su ático. Años más tarde, la caja con el vestido fue donada a los ARCHIVOS NACIONALES en MARYLAND, junto con una nota sin firmar que llevaba el papel con membrete de la señora AUCHINCLOSS. La nota decía: “El traje y la bolsa de Jackie usados el 22 de noviembre de 1963″.

Se asegura que el traje rosa permanece intacto. Tal y como estaba cuando JACKIE KENNEDY se lo quitó en la CASA BLANCA. Y se mantiene fuera de la vista pública en un contenedor sin ácido, en el interior de una habitación sin ventanas, cuya temperatura oscila entre los 18 y los 20 grados centígrados. La ubicación precisa se mantiene en secreto.

Por disposición expresa de CAROLINE KENNEDY, la única hija superviviente del matrimonio KENNEDY (JOHN JOHN murió en un accidente de aviación en 1999), contrario a lo que ocurrió con las fotografías de la autopsia del presidente, las cuales fueron hechas públicas en 1992, el famoso vestido rosa de DALLAS no podrá ser visto por el público antes de noviembre de 2063, cuando se cumpla el primer centenario del crimen.

Del año 2002 al 2004, la gira de la exposición “JACKIE’S WHITE HOUSE YEAR’S DRESS” fue todo un éxito en los ESTADOS UNIDOS. Miles de personas acudieron a ver los vestidos y algunos objetos personales de una de las primeras damas más queridas del SIGLO XX. Un comentario recurrente de los asistentes se refería a los colores brillantes de los vestidos, los cuales por lo general eran apreciados en fotografías y televisión en blanco y negro a principios de la década de los sesenta.

17 de diciembre de 2013

http://www.vogue.es/moda/news/articulos/chaqueta-schiaparelli-se-subasta-en-londres-por-130000-euros/18784

Nombre real: Germaine Emilie Krebs y posteriormente cambió su nombre a Alix

Lugar de nacimiento: París, Francia

“Alix Gres, también conocido como‘Madame Gres’nació Germaine Emile Krebs el 30 de noviembre de 1903 en París, Francia. Estudió pintura y escultura. A principios de 1930 entró como aprendiz a la casa de alta costura de PREMET, donde permaneció por tres meses y aprendió los fundamentos de corte y confección. Durante este tiempo ella cambia su nombre a Alix. Gres trabajó para Couturier Julie Barton quien renombró su casa Alix después del éxito de su talento asistente. En 1937, se casó con Serge Gres Gres Anatolievitch Czerefkow, un pintor nacido Rusia; Alix convertirse en Gres, el nombre por el que es mundialmente conocida. Juntos tuvieron una hija; Anne, que nació en 1939.

En 1934, diseñó un vestido negro de celofán con una capa de color negro-sello-alineados, con la adherencia de corte sesgo que fue fotografiado por el renombrado fotógrafo Hoyningen-Heune, y apareció en la revista Vogue. En 1936, después de regresar de un viaje desde el Lejano Oriente diseñó un vestido de brocado que calificó de “Templo del Cielo”, inspirada en los trajes de danza de Java.

En un principio se quería ser escultor, pero no tuvo éxito. A continuación, se aventuró en la sombrerería, cambiando su nombre a Alix Barton. Su casa de diseño sería conocido como Alix desde 1934 a través de 1942. Ella se dio a conocer mediante el diseño del vestuario de la obra de Jean Giraudoux “No habrá guerra de Troya”, y rápidamente se convirtió en un referente con clientes que iban desde duquesas a estrellas de cine Grace Kelly, Greta Garbo y Marlene Dietrich. En 1942 creó el nombre de gres, un anagrama parcial del primer nombre de su marido en el momento, Serge Czerefkov. The New York Times llamó a su casa de alta costura “el lugar más intelectual en Europa para comprar ropa”.

“Yo quería ser escultor. Para mí, es lo mismo que trabajar la tela o la piedra”Grès dijo una vez. Y es una verdad universalmente reconocida que Grès era de hecho un verdadero escultor de la tela. Su tela favorita era jersey de seda, y un solo vestido podría tomar de 13 a 21 metros. Su talento para el plisado podría reducir de 9 pies de tela en un mero 2,8 pulgadas. El ropaje de sus vestidos también mostró su virtuosismo técnico. guirnaldas de largas tiras continuas de tela se incorporarían en la parte delantera y trasera de un vestido, en su labor una sensación de la antigüedad clásica. También introdujo la idea de recortes, la creación de pequeñas ventanas en sus vestidos que revelaban la espalda o el hombro. Las portadoras de sus vestidos se sentían perfectamente seguras en sus vestidos, tan impecable construidos.

Mientras Grès es más conocido por sus vestidos drapeados Grecianesque, ella también demostró talento en diseños menos formales. Su desgaste diario mostró la misma atención al detalle y la impecable sastrería que hicieron sus vestidos.

Grès tiene una extraordinariamente larga carrera, trabajando hasta finales de 1980. A lo largo de este período, que abarcó enormes cambios en la moda, su trabajo se mantuvo constante y eterno. “Una vez que uno ha encontrado algo de carácter personal y único, su ejecución debe ser explotado y perseguido sin parar,” dijo. Su trabajo sigue siendo atemporal, cualquiera de sus elegantes vestidos podría ser visto caminando por una alfombra roja en la actualidad. Es fácil ver la “extrema pureza” Grès se esforzará en su trabajo.

Legado fashion: Inspirada en la estética griega, su técnica de drapeado y plisado es incomparable. Entendía a la perfección el cuerpo femenino y cada uno de sus vestidos era una oda a la feminidad. Sus creaciones tienen una mezcla de sensibilidad, sensualidad y vitalidad. Sus “cutouts” revelaban la cantidad perfecta de piel (para su época debieron de haber sido escandalosos). Sus gowns podrían lucirse en cualquier red carpet de hoy sin verse anticuados. Diseñadores como Alber Elbaz seguramente encuentran en la discreta, introvertida y reservada Madame Grès a una mentora entrañable.

“No tengo nada que decir, pero todo que mostrar.”

Schiaparelli marcó el comienzo de su “color de la firma” ella apropiadamente llamado “rosa impactante” . Esta tonalidad viva y enérgica en capas un nuevo color de moda con diseños de moda de Schiaparelli que adornaban las mujeres. “En La Rosa” podría ciertamente describir la fascinación y atracción que Schiaparelli presentó a la moda y el mundo. Descrito a ser más en el lado de la tonalidad de color magenta, la introducción de este “Shocking Pink” es, sin embargo, digno de nuestra reflexión. Schiaparelli describe rosado como “dador de vida, al igual que toda la luz y las aves y el pescado en el mundo en su conjunto, un color de China y Perú, pero no de Occidente” . Sin embargo , tal vez. Entre las dos guerras mundiales, junto con el mayor rival, Coco Chanel , es considerada una de las diseñadoras de moda prominente de ese período de tiempo, con diseños se influenciados por los surrealistas como sus colaboraciones  con Salvador Dai y Alberto Giacometti , su don de “Shocking Pink” añade una distinción de la donación de color de tonalidad sin tiempo al mundo de la moda. 

Elsa Schiaparelli (1890-1973)

Nombre real: Elsa Schiaparelli

Lugar de nacimiento: Roma, Italia

Legado fashion: Si alguien ha influenciado a Miuccia Prada, sus diseños tomaron inspiración del cubismo, el futurismo y el surrealismo

Entre la larga lista de nombres que colaboraron junto a ella encontramos a la escritora Elsa Triolet, Jean Dunand, Alberto Giacometti, Christian Bérard, Meret Oppenheim, Andy Warhol, Leonor Fini, René Magritte, o a los fotógrafos Cecil Beaton, Horst y Man Ray.  Y entre sus amigos Salvador Dalí, , Jean Cocteau, Christian Bérard, Jean-Michel Frank y Leonor Fini.

En 1937 Cocteau le enseñaría un dibujo que terminaría inspirándola para crear uno de sus más conocidos diseños. Un vestido y un abrigo con la ilusión de un bordado que hacía ver tanto a dos mujeres de perfil, como a un jarrón rebosante de rosas.

Mención a parte merece su intima relación con Dalí. Juntos diseñarían la polvera en forma de rueda de teléfono, el traje escritorio, el vestido “lágrima” o el surrealista sombrero en forma de zapato, una de sus más conocidas colaboraciones.

En 1934 Dalí había comenzado a introducir la Langosta en sus creaciones, y en 1937 impresionaba un gran dibujo de una de ella junto a unas ramas de perejil en un vestido de organdí blanco. Aquel vestido pasaría a la historia por las fotografías que Cecil Beaton realizaría de Wallis Simpson poco antes de su matrimonio con Eduardo VIII.

Leonor Fini realizó para Schiaparelli diversos motivos para tapices, papeles pintados e ilustraciones para Vogue et Harper’s Bazaar.

Conocida por inventar la falda pantalón , el vestido langosta, el sombrero zapato y los estampados trampantojo son sólo algunas de sus increíbles creaciones. Elsa era arriesgada, fuerte y estaba lista para demostrarle al mundo que las mujeres se podían vestir con prendas que fueran más allá de los vestidos románticos y los detalles delicados. El color rosa eléctrico era su favorito y lo llevó a varias de sus creaciones. Hoy, todavía se le identifica a ella y a su obra con este llamativo tono.

Elsa desplegó toda su inagotable creatividad en sus diseños, usó aspirinas para confeccionar collares, convirtió plástico e insectos en materia prima de bisutería, decoró trajes de alta costura con rudas cremalleras y elaboró vestidos con los últimos y novedosos materiales sintéticos e industriales como celofán o rodofán. La modista creía que los botones eran aburridos, así que los transformó en pequeñas esculturas: grillos, caballitos amaestrados, faldas abiertas con piernas de bailarinas de can-can francés, trapecistas, coronas o terrones de azúcar. El mérito más grande que se le reconoce a Schiaparelli fue el haber revolucionado la moda entre 1930 y 1940, sin ningún tipo de preparación profesional previa. Sus prendas eran combinables entre sí, chaquetas abiertas, pantalones capri, líneas suaves y redondeadas. Hasta sus célebres boleros eran más que un complemento de lujo, pues su función era proteger los hombros y los senos, que, según la creadora, son las partes más vulnerables del cuerpo femenino.

Dentro de las múltiples invenciones, ella destaco en la bisutería, aplicar lentejuelas a todo lo que fuera posible y los botones echos de falsas joyas. En este caso con ayuda del Schulmberger.

Dentro de en su vida de hiperactividad empezó a teñir pieles, bordar jerséis con pedrerías maravillosas, invento mangas surrealistas, se inspiro sin cesar en el arte egipcio, y arriesgo la primera en colores fosforescentes, coloco cremalleras a la vista, creó sombreros casi dedicados a Laidy Gaga, desde helados a chuletas de cerdo. No hay que olvidar que el humor era uno de los núcleos de su vida.También se inspiro en el circo, para según ella crear sus mejores piezas, se inspiro en las páginas de los periódicos, se obsesiono con los símbolos del zodiaco.

En 1933 introdujo la manga pagoda. Teñía las pieles, colocaba candados en los trajes y puso de moda el traje tirolés. En 1935 tiñó las nuevas cremalleras de plástico del mismo color que las telas, colocándolas a la vista en vez de ocultarlas. Bordó los signos del zodiaco en su ropa y vendió bolsos que se encendían o tocaban una melodía al abrirlos. Dos de sus modelos de sombrero más famosos tenían forma de helado de cucurucho y chuletas de cordero.

El vestido “Skeleton”, que tanto recuerda a algunos de los más llamativos diseños de McQueen. Un perfume en forma de portavelas al estilo Moschino. Una combinación de  voluptuosa falda y entallada blusa, hoy sello de la diseñadora Carolina Herrera. Florales y enjoyados guantes, como los que pueden verse acompañando a las creaciones de Joseph Font para Delpozo. Los ya mencionados plisados que heredaría Issey Miyake. Y prendas de corte masculino y militar, que abrían los caminos por los que más tarde transitarían diseñadores como Yves Saint Laurent, son tan solo una pequeña muestra del poder inspirador y de atracción que han mantenido con el paso de años las creaciones de Schiaparelli.

Su obra se adelanta en el tiempo en el campo de la investigación textil y en la mezcla de elementos hasta entonces no empleados y por su compromiso a la hora de crear y concebir la moda como una expresión artística más. Más adelante le seguirá la obra de muchos diseñadores que en ella han encontrado una fuente de inspiración inagotable para su trabajo que, como acabos de ver llega hasta nuestros nuestros armarios. Yves Saint Laurent en la década de los setenta transitó los caminos aventurados por Schiaparelli hace casi un siglo. También podemos destacar la colección en la que Dolce & Gabbana convirtió sus guantes en bufandas y tocado;, los delirantes zapatos en el tacón horizontal que creó Marc Jacobs o los diseños de Viktor & Rokf, Alexaander McQueen, Delfina Delettrez; Lulu Guinness con diseños como su bolso inspirado en el vestido de langosta: o el español Jesús del Pozo, cuando concibe a sus vestidos como sus esculturas habitables o sus “trajes pieza”.

En definitiva, Schiaparelli consideraba a la moda como un arte y, por tanto, imposible de desvincular de la evolución de las artes plásticas contemporáneas y sobre todo de la pintura. El surrealismo le sirvió como fuente de inspiración básica. Se decantaba por el color, el ornamento, la fantasía y el fuego y los desarrolló de acuerdo con el espíritu de la época. Diseñó prendas que llamaban la atención sobre el valor del objeto de la moda como fetiche, creando perturbadores complementos como los guantes con uñas, las botas de pelo y el vestido de lágrimas.

“En tiempos difíciles, la moda siempre debe ser estrafalaria.”

En 2012, ese llamativo color volvió a las primeras páginas, cuando tanto la primera dama Michelle Obama y su aspirante a sucesor Ann Romney lo eligieron para sus trajes. 

Mientras tanto, el Metropolitan Museum of Art Conversaciones imposibles hizo una exposición ese mismo año, contrastando las visiones de Prada y “Schiap,”

Elsa Schiaparelli (1890-1973)

Nacimiento de un diseñador de moda surrealista

Elsa Schiaparelli Luisa María nació en Roma, Italia, el 10 de septiembre de 1890. Sus padres fueron el aristocrática Celestino Schiaparelli (sánscrito académico y decano de la Universidad de Roma) y su esposa, la también aristocrática María Luisa Domenitis.

Era un clan consumado, así como un uno socialmente prominentes. Elsa era una sobrina del astrónomo Giovanni Schiaparelli, el que es el más conocido para la asignación de los canales de Marte. El ilustre familia también incluyó Ernesto Schiaparelli, el egiptólogo reconocido que fue acreditado con el 1906 descubrimiento de la tumba de la reina Nefertiti, así como la tumba de Kha.

De acuerdo con todos los informes, joven Elsa era un joven rebelde de alto espíritu y creativamente inclinada desde sus primeros años. Era un personaje que le fue muy útil en su carrera, en la que rompió todas las reglas establecidas para la moda y se acercó al campo del diseño con un toque caprichoso. Ella debe sin duda, sin embargo, han sido objeto de cierta preocupación para sus padres! O tal vez no: hay indicios de que el joven Elsa no recibió mucho en la forma de afecto abierta, y se dice a su madre que le han enseñado que era “feo” en comparación con su hermana mayor.

Quién sabe qué impacto duradero sus primeros años pueden haber tenido en la unidad de Schiaparelli a “bordear el borde del ridículo” e impulsar a sí misma en la vanguardia de la moda de París …

De la vida familiar a la manera del mundo

En 1919, ella misma después de haber eliminado a París de “entrenamiento de lujo”, de su familia, que ella creía que era sofocante su creatividad, de veintidós años de edad, Elsa casó (en cierta precipitación) el teósofo francés Comte Guillermo de Wendt de Kerlor.

Una hija, María Luisa Yvonne Radha de Wendt de Kerlor – conocido como “Gogo” – nació en 1920. Al año siguiente, la de Kerlors trasladó de Europa a Nueva York, donde Elsa trabajó como traductor y guionista, mezclado con una artística multitud para visión de futuro como para ser radical, y vendió unos modas francesas a algunos de sus amigos ricos de América.

En América daría a luz a su única hija, “Gogo”. Abandonada por su marido a las pocas semanas, comienza a trabajar con Gabrièle Buffet-Picabia, quien la introduce en el circulo dadaísta neoyorquino.

Silvia Alexandrowich, modista coetánea a ella con quien mantuvo una disputa seguida por la prensa dijo de ella: “Schiaparelli alcanza la gloria a lo largo de la década de los años treinta. Se la gana a pulso, trabajando día y noche con colaboradores y artistas del más alto nivel técnico y creativo, y con una audacia empresarial inaudita. Su instinto para las relaciones públicas es notorio y controvertido. Y su reputación de mujer difícil y narcisista no hace más que reforzar el mito que se va construyendo a su alrededor, y que, en cualquier caso, la favorece. Elsa Schiaparelli explota todo lo que es y crea, pero lo hace con la transparencia y la honestidad de quien, trabajando con artistas y profesionales de renombre, no se apropia de las ideas ajenas y es generosa con las propias. Su modo de mezclar la moda con el arte es algo nuevo y revolucionario que fascina a una sociedad sumida en la incertidumbre económica y política generada por el crack bursátil de 1929″.

Katherine Hepburn con un vestido de Elsa

Suzanne Flon y Zsa Zsa Gabon con vestidos langosta para la película Moulin Rouge (1952)

Durante esta etapa Schiaparelli interioriza los conceptos de funcionalidad, libertad y comodidad tan propios del modo de vestir americano. Será ella quien los traiga a Europa, plasmándolos en algunos de sus revolucionarios y confortables diseños, como la falda pantalón que luciría la tenista española Lili Álvarez durante el torneo de Wimbledon de 1931.

El matrimonio terminó en 1922, quizás debido en parte a la aventura de William con el infame bailarina Isadora Duncan, tal vez debido al impulso de Elsa a tallar su propio camino, o tal vez porque la pareja eran simplemente inadecuados – ¿quién sabe? En cualquier caso, Elsa volvió a Europa con su hija.

No se sumergió en su carrera en la moda con toda la concentración grave de una madre soltera con una hija para apoyar – y un niño que había desarrollado la poliomielitis, no menos – que viven la dura vida de una modista empobrecida mientras se esforzaba para hacer su lugar en el mundo.

Sin embargo, a pesar de que fue sin duda un momento difícil para “Schiap”, como sus amigos la llaman, la imagen valiente de una mujer joven que trabaja duro inclinado sobre ella aguja e hilo en un ático de la rata de gestión frío puede deberse tanto al romance como realidad. De acuerdo con las memorias de Patricia Volk, sorprendió: Mi madre, Schiaparelli, y yo , su hija Gogo pasó muy poco tiempo viviendo con su madre, entre las enfermeras, los médicos y los internados en Suiza.

Elsa, se superaba siempre a sí misma, en sus diseños y presentaciones y desfiles, que se convertían en verdaderos espectáculos teatrales.

Impulsora del Branding.

Cultivó amistades que le aportaban clientes de una manera innata. Cerraba vestidos con “candados” que pasaban a formar parte del lenguaje de la firma, cuyos perfumes empezaban siempre con la letra “S”. Si Poiret hacía décadas que había traspasado las barreras naturales de su oficio, ahora Schiap hacía lo propio y era la primera diseñadora en crear una línea de bolsos y de gafas. El universo Schiaparelli parecía infinito, y sus llamativos diseños no hacían más que incrementar una lista de clientas entre las que se encontraban La Duquesa de Windsor, Katharine Hepburn o Marlene Dietrich.

Sus aportaciones al lado más “industrial” de la moda no terminaba ahí, y sería la primera en dotar a sus colecciones de un nombre y un hilo argumental. Para su extraordinaria colección “Le Cirque” contó con trapecistas y acróbatas vestidos de satén rosa, en una representación que se convirtió en lo más parecido a un desfile.

En América daría a luz a su única hija, “Gogo”. Abandonada por su marido a las pocas semanas, comienza a trabajar con Gabrièle Buffet-Picabia, quien la introduce en el circulo dadaísta neoyorquino.

Durante esta etapa Schiaparelli interioriza los conceptos de funcionalidad, libertad y comodidad tan propios del modo de vestir americano. Será ella quien los traiga a Europa, plasmándolos en algunos de sus revolucionarios y confortables diseños, como la falda pantalón que luciría la tenista española Lili Álvarez durante el torneo de Wimbledon de 1931.

Schiap y surrealista Moda

Cuando, en la disolución de su matrimonio, Elsa se trasladó a París y estableció su taller de diseño, pronto se hizo conexiones influyentes en los salones del mundo del arte surrealista, colaborando en varios diseños con artistas como Jean Cocteau y Salvador Dali .

Tejer un suéter Schiap

Su primera prenda importante, en 1927 – el mismo año se convirtió en ciudadana francesa – fue un suéter trampantojo , tejido en negro con la imagen de un arco trabajó en los puntos de sutura en el escote.  Incluso este diseño inteligente – una sensación inmediata (y muy copiado) – ahora palidece en comparación con sus muchas innovaciones de la moda.

Si desea probar su mano en la creación de su propia versión del icónico Bowknot suéter , las instrucciones que hacen punto libre y gráficos de Lisa Stockebrand están disponibles en SchoolhousePress.com.

El Philadelphia Museum of Departamento de Vestuario y Textiles de arte, de la cual forma parte Lisa Stockebrand, que tuvo lugar “Impactante! El arte y la moda de Elsa Schiaparelli”, una retrospectiva completa de de obra de Schiaparelli del 28 de septiembre 2003- 4 enero de 2004.

Antes de esa exposición, Lisa escribió un patrón actualizada del Bowknot suéter basado en el jersey de la colección del museo utilizando un calibre mayor y hacer adaptaciones ligeras para un ajuste más moderno.

El famoso trompe oeil  era parte de su colección de noviembre de 1927. El suéter estaba unido mediante una técnica fascinante que dio el suéter, en palabras de Elsa, una “mirada fija”. Schiaparelli había visto un jersey de punto de esta manera inusual y rastreado la tejedora, una mujer de Armenia, que tejió los primeros suéteres y como vendió más prendas, otras mujeres armenias en París familiarizados con este método fueron llamados a tejerlos. Es a partir de estos tejidos de punto que llamamos la técnica de “Armenia”.

http://www.philamuseum.org/collections/permanent/65328.html

Las líneas de un vestido de Schiaparelli eran inconfundibles, y ella se le atribuye la introducción del ancho hombro a las prendas de las mujeres que dominaron la moda a través de la Segunda Guerra Mundial, el uso de cremalleras de colores como elemento de diseño, el uso inusual de telas con texturas, así como el vestido de langosta, Sombrero de zapatos, y otras creaciones de moda surrealista – no menos importante de los cuales es el rosa impactante color para la que está ahora más recordado.

Sorprendente por Schiaparelli – Perfumes de Mujer

En su autobiografía cuenta que su fascinación por este color vino al ver el diamante Cartier de su amiga Daisy Fellowes, “brillante, imposible y descarado”. Era 1937 y Schiaparelli preparó el lanzamiento de su nuevo perfume, “Schoking”, que decidió vincular con este nuevo color que había descubierto. El perfume resultó un éxito, y su caja, de un intenso color rosa “Shocking”, contribuyó a popularizar el color.

Le gustaba tanto su nuevo tono que comenzó a incluirlo en vestidos de noche, pañuelos y barras de labios, hasta convertirlo en el tono corporativo de la casa. Y su adjetivo, “Shocking”, en sinónimo de su propia vida, hasta el punto de dar nombre a su última colección, “Shocking Elegance”, y a su autobiografía, “Shocking Life”.

El diseño del paquete de impactante de Schiaparelli Eau de Parfum , diseñado en 1937 por Leonor Fini para el sello de Elsa, dio su nombre al color rosa impactante, color de la firma del diseñador surrealista que había sido introducido en el año anterior.

La forma de reloj de arena del torso de la botella de perfume se inspira en Mae West - o, más bien, en la forma de la modista con curvas que el diseñador había utilizado en los disfraces de la rolliza señorita West por su papel protagonista en la película de cada día un día de fiesta (1937).

Hasta su muerte, en 1973, vivió de los ingresos derivados de sus perfumes.

Caída y auge (y subida) de la Maison

Su competidor más cercano – y rival más amarga – fue la notable Coco Chanel. Schiap despectivamente llama Chanel “sombrerera”, mientras que Coco le devolvió el favor mediante la descripción de Elsa como un “una artista que hace ropa”.

Schiaparelli vivió en los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial – y por supuesto quería vestir a la gente de Hollywood – pero regresó a París después de los años de guerra y volvió a abrir su negocio de diseño.

En 1954, lanzó su última colección, y dejó el mundo de la moda.El resto de su vida vivió en Túnez y París, criando sus dos nietas. Jubilada, escribió su autobiografía, que describe en detalle cómo lograr popularidad y reconocimiento. Murió en 1973 a los 83 años enterrado con su pijama rosa favorito.

Pero donde Chanel prosperó, y su nombre es hoy en día mucho más conocido que el de su rival, de origen italiano, la suerte de Schiaperelli disminuyó en la década de 1950.

Tal vez fue que su tiempo había pasado.

Tal vez fue porque su uso innovador de telas y claridad de visión, a veces se ve ensombrecido por la excentricidad de su carácter y la compañía mantuvo.

Igualmente probable, sin embargo, según muchos historiadores de la moda, la causa de la desaparición de la etiqueta era la facilidad con que los diseños podrían ser copiados por los fabricantes sin marca y se venden en la calle por una fracción del costo de la ropa de diseño.

En 1954 la Cámara de Schiaparelli cerró sus puertas, y “Schiap” se retiró a escribir su autobiografía, La vida impactante . Murió en París el 13 de noviembre., 1973

Sin embargo, fue que el final de su legado al mundo de la moda, o de su marca memorable?

Fue una diseñadora iconoclasta que además experimentó con tejidos con textura, creó botones ornamentales con forma de espejos de mano y sombreros decorados con racimos de uva y pájaros cayendo. Toda una visionaria que creó el primer vestido de alta costura con cremallera y la famosa falda-pantalón, una prenda que impresionó e incluso escandalizó a una sociedad nada acostumbrada a que las féminas vistieran con aires varoniles y que consiguió ser conocida gracias a que su amiga la tenista española Lilí Álvarez la llevó puesta durante un partido de Wimbledon. Tuvo la voluntad de trascender la belleza convencional para concebirla como una forma de expresión y de metamorfosis. 

Una mujer que revolucionó el mundo de la moda, no entendiéndolo como un simple mercado sino como arte.

En 2006 la casa de Schiaparelli fue comprada por el grupo de lujo Tod´s. El 30 de septiembre del  2013 el grupo nombró a Marco Zanini como director creativo de la casa de Schiaparelli, a cargo de la Alta Costura y prêt- colecciones à-couture. Con un estudio de diseño y taller instalado en el edificio histórico en el 21 lugar Vendôme, la misma ubicación en la que Elsa Schiaparelli trabajó, Marco Zanini está trayendo nuevamente a la vida a esta mítica casa de alta costura.

El motivo del Museo Metropolitano de gran 2012 Exposición de Arte en Elsa Schiaparelli y Miuccia Prada fue una señal apropiada trascendental para el regreso de la marca Schiaparelli – con la reapertura de la Maison en sus mismos barrios de Paris venerables a los 21 Place Vendome, y en 2013 una colección homenaje por Christian Lacroix, a sí mismo algo así como un punto de referencia en el universo de alta costura.

Pero, ¿puede la, estilo Schiap impactante atrevida sobrevivir en un nuevo siglo, más de 40 años después de la muerte de su fundador?

Sí, la Cámara de Schiaparelli estaba de vuelta en las pasarelas de París Semana de la Moda en enero de 2015, pero un equipo de diseño interno ha estado a la cabeza durante algunos meses, a la espera del nombramiento de un nuevo director creativo. zapatos de Elsa Schiaparelli – o sombrero zapato – puede llegar a ser difícil de llenar.

Nombre real: Madeleine Vionnet

Lugar de nacimiento: Chilleurs-aux-Bois, Francia

Legado fashion: Fundó su marca en 1912, una época en la que era raro que las mujeres emprendieran su propio negocio. Su mayor fuente de inspiración fue la bailarina de ballet Isadora Duncan. Se la atribuye la invención del “corte al bies”, es decir, cortar la tela en sentido diagonal. De esta forma, el material cae perfectamente sobre el cuerpo y crea un movimiento increíble en la figura. Su influencia todavía se puede percibir en las red carpets de hoy en día (cof, cof Angelina Jolie, Marion Cotillard y Rachel McAdams).

“El vestido debe ser una segunda piel, lista para sonreír cuando la que lo lleva sonríe.”